El hombre que cambió el tenis por la moda y construyó un imperio millonario a partir de su apodo

Fuente: Clarín – Fue uno de los mejores tenistas de su época.Su ropa es usada por múltiples famosos.

¿Qué tienen en común Novak Djokovic, Chloé Sevigny, Jake Gyllenhaal, Andy Roddick, Bradley Cooper, Usher y Los wachiturros? Que todos usan o alguna vez usaron ropa Lacoste.

La historia de origen de la marca difiere bastante de la de la mayoría de sus competidoras. Se remonta a comienzos de siglo XX, cuando un joven René Lacoste intentaba hacerse un lugar en el mundo del tenis.

En lo único que René pensaba a los 18 era en jugar a ese deporte. De la escuela politécnica de Burdeos, a la que interrumpió sin que le temblara el pulso, pasó directamente al campo de juego.

Entrenaba con una raqueta que le había regalado su mamá, Marie-Madeleine, cuando tenía 14 años, y contaba con el apoyo de su padre Jean-Jules, un ávido campeón de remo, para hacer lo que quisiera.

El nacimiento del cocodrilo

Lacoste no tardó en demostrar su talento con la pelotita. Para 1923 ya era parte del seleccionado francés de Copa Davis que dirigía Allan Muhr. Su apodo de “cocodrilo”, el animal símbolo de la que sería su marca, tiene mucho que ver con ese torneo.René Lacoste se retiró del tenis a los 25 años. Foto: AFPRené Lacoste se retiró del tenis a los 25 años. Foto: AFP

En los días previos a su partido del 16 de agosto de 1923 contra el representante de Australia en Boston, Estados Unidos, René y el resto del equipo galo aprovecharon para salir a conocer las calles de la capital de Massachusetts.

Una tarde, René y su entrenador andaban por el distrito comercial Park Street Church y pasaron frente a una tienda de artículos de viaje de lujo cuya vidriera obnubiló a Lacoste. Una maleta hecha de piel de cocodrilo le llamó particularmente la atención.

Maravillado, René le dijo a Muhr: “Si gano mi partido contra los australianos, ¡dame esa maleta!”. Y su entrenador le dijo que sí.

El nacimiento de un Imperio

Al día siguiente, el francés perdió su partido.

Fue una batalla que acaparó la atención de la prensa deportiva, que se deshizo en elogios tanto para con el tenista australiano como para con René, de quien destacaron su entrega y carácter.

Emocionados por el talento del joven francés, los periodistas recavaron en su historia y llegaron a la anécdota de la apuesta que había hecho René con su entrenador. Fue así como empezaron a referirse a él como «cocodrilo», un poco por la maleta de Park Street Church y otro poco por sus características de juego.Uno de los primeros logos del famoso cocodrilo.Uno de los primeros logos del famoso cocodrilo.

Para 1926 y 1927, Lacoste ya era número 1 del mundo y había ganado 7 Grand Slam. Y era la única estrella del tenis que llevaba en su remera cosido un logo. En su caso, un cocodrilo diseñado su estilista Robert George.

Su entusiasmo por lucir ropa que reflejara su identidad hizo que poco a poco comenzara a ver con buenos ojos la idea de ingresar a la industria textil. Fue así como, además de personalizar su ropa de tenis, también comenzó a fabricar indumentaria de golf y navegación.

Su tempranero retiro del deporte ayudó: René dejó de jugar en 1929, con tan solo 25 años, debido a recurrentes problemas de salud que lo aquejaban desde la Primera Guerra Mundial.

Para los años treinta -ya casado con la golfista Simone Thion de La Chaume-, Lacoste se asoció con André Gillier y fundaron juntos la Société Chemise Lacoste, conocida en aquel entonces por ser la primera marca de indumentario en presentar un logotipo en su ropa.René Lacoste murió en 1996. Foto: AFPRené Lacoste murió en 1996. Foto: AFP

Las prendas de la Société se destacaban por sobre el resto por ser más livianas y por su algodón “petit piqué”. Al igual que la incursión de René en el tenis, el ascenso de la Société se dio bastante rápido. Al poco tiempo de su fundación, Lacoste ya era símbolo del estatus del atleta competente.

Su llegada a Estados Unidos

Lacoste llegó a Estados Unidos en 1952 con una línea infantil, lo que dio cuenta de que apuntaba a algo mayúsculo. Para ese entonces, René y Simone tenían 4 hijos, Bernard -hoy muerto-, Francois, Michel y Catherine.

Casi diez años después, Bernard se hizo cargo de la marca y llegó a vender 300.000 productos al año. En los setenta, cuando la unión Lacoste-Estados Unidos era más que un hecho, la marca explotó al introducir en su catálogo calzado, perfumes, anteojos y relojes, además de diseñar la tan popular ropa “preppy”.

Los hijos de René siguieron el legado de su padre una vez que este murió, en 1996. Tras el fallecimiento de Bernard, la empresa pasó a manos de Michel, su hermano menor, y fue adquirida por Maus Frères SA, una empresa familiar fundada en Ginebra en 1902.Lacoste tiene aproximadamente 50 millones de ventas al año.Lacoste tiene aproximadamente 50 millones de ventas al año.

Hoy, el CEO de Maus Frères SA es Thierry Guibert y la directora creativa de Lacoste, Louise Trotter. La marca vende más de 50 millones de ventas al año en 11 países diferentes, lo que nos hace deducir que René, a pesar de haber perdido ese partido contra los australianos, de algún modo pudo conseguir su cartera.

La selección vistió diferente: cuál es la exclusiva marca que está detrás de la nueva imagen del equipo

Fuente: La Nación – Se trata de Palm Angels, una exclusiva firma de moda italiana fundada en 2015 por el diseñador Francesco Ragazzi; “se diseñó para el equipo tanto looks formales como ropa de ocio”, precisaron


La selección argentina llegó este lunes a la ciudad de Houston de cara al partido que disputará el jueves ante Ecuador en los cuartos de final de la Copa América, pero lució diferente. Tanto en su arribo en avión como en la llegada al hotel, los jugadores vistieron con un exclusivo y lujoso conjunto elaborado a la medida para la albiceleste por Palm Angels, una exclusiva marca de moda fundada en 2015 por el diseñador Francesco Ragazzi.

Desde Lionel Messi hasta Emiliano Martínez, el plantel entero lució el outfit diseñado por la marca italiana. “Palm Angels diseñó para el equipo tanto looks formales como ropa de ocio. Un estilo relajado, pero con meticulosa atención a la calidad y el detalle”, explicó la empresa en una publicación en su cuenta oficial de Instagram.

Lautaro Martínez, Leandro Paredes y Nicolás Otamendi, con ropa de la exclusiva marca Palm Angels
Lautaro Martínez, Leandro Paredes y Nicolás Otamendi, con ropa de la exclusiva marca Palm Angels

En ese sentido, explicaron que la colaboración entre la marca de moda y la selección argentina se hace con la intención de “enfatizar la importancia del trabajo en equipo y el fortalecimiento de la identidad individual dentro de la dinámica del equipo”. “Estos valores son centrales para el fútbol, para Palm Angels y los fans del fútbol de todo el mundo”, indicó la marca en otro posteo y se definió como “curadora oficial de vida y estilo de la Selección Argentina”.

Según especificaron desde la marca, el look formal que se decidió para el seleccionado argentino presenta un blazer azul oscuro con un monograma bordado en el bolsillo del pecho y el escudo de la AFA en color dorado, combinado con una camisa azul claro y pantalones cargo con bolsillos grandes.

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Mientras que el look casual presenta el icónico chándal de Palm Angels, diseñado en un tejido de lino especial, ligero y fresco y con, en lugar de una chaqueta, una sobrecamisa adornada con el logotipo de la marca y el escudo de la AFA bordado.

La historia de la marca se remonta a 2011, cuando Ragazzi -con pasado como director de arte de Moncler– realizó un proyecto fotográfico que tenía como objetivo capturar la esencia de la cultura del skate y el arte callejero de Los Ángeles, California. Su trabajo fue publicado en un libro en 2014 denominado “Palm Angels” y más tarde, inspirado por el éxito de la publicación, decidió trasladar esa esencia a una marca de ropa.

El logo de la marca Palm Angels reversionado con las tres estrellas de la selección nacional
El logo de la marca Palm Angels reversionado con las tres estrellas de la selección nacional

Así fue que debutó con su primera colección en 2015 y oficialmente se creó la marca que enseguida ganó lugar en la industria. Sus característicos diseños están inspirados en los grafitis, con colores llamativos, y su posterior influencia en la cultura urbana y deportiva. La cualidad que la llevó destacar entre otras marcas fue la capacidad de fusionar la informalidad propia del streetwear con la elegancia y el lujo.

Con el correr de los años, la marca fue creando piezas que son tanto accesibles como aspiracionales. Realizó colaboraciones con diferentes celebridades de todo el mundo y vanguardistas de la moda, pero también colaboró con otros deportes como el básquet con diseños exclusivos para algunas franquicias de la NBA.

Si bien aun no se conoce cuál será el precio de la vestimenta diseñada para la selección (que se espera que sea anunciado próximamente), en su página web, Palm Angels promociona ropa que va desde los US$95 por un par de medias hasta prendas que superan los US$2000.

¿Y si los materiales del futuro llegaran de la moda masculina?

Fuente: Perfil – Cada vez más jóvenes diseñadores y marcas independientes intentan conciliar lujo y sostenibilidad en un sistema de moda diferente. Un ejemplo significativo es el proyecto S|STYLE, curado por la periodista Giorgia Cantarini y apoyado por Pitti Uomo.

Que el lujo o la moda Made in Italy sean por definición más sostenibles es un mito que se está desmoronando lentamente. Sin embargo, cada vez más jóvenes diseñadores y marcas independientes buscan unir estas dos visiones para construir un sistema de moda diferente. Y las novedades más interesantes parecen llegar del universo de la moda masculina, aunque sus contornos sean cada vez más difusos. Desde hace ocho temporadas, Pitti Uomo intenta dar espacio a estas realidades creativas con el proyecto S|STYLE, curado por la periodista Giorgia Cantarini.

Desde el año pasado, además, los diseñadores seleccionados para exponer tienen la oportunidad única de colaborar con el Kering Material Innovation Lab (Kering MIL), un laboratorio con sede en Milán que desde hace diez años investiga los materiales más innovadores (y de bajo impacto) para las muchas marcas de lujo del gigante Kering. El Lab, por ejemplo, selecciona los mejores materiales reciclados (desde el algodón hasta el cashmere) que puedan pasar la prueba de calidad y durabilidad de los estándares de Kering.

O, colaborando con proveedores y startups, busca soluciones innovadoras a cuestiones como la impresión, los tintes menos impactantes, las mejores alternativas a las fibras y materiales a base de petróleo, quizás derivadas de desechos agrícolas u otras industrias, con un enfoque circular. Los diez diseñadores seleccionados por Giorgia Cantarini han presentado un look basado en el tema de esta octava edición, «Circular Luxury», es decir, han elegido utilizar materiales del Kering MIL enfocados en contenidos reciclados de alta calidad, materiales derivados de desechos agrícolas o textiles pre y post consumo, desde el algodón hasta el poliéster. Christian Tubito, director de MIL, explica: «En esta edición pedimos a las diez marcas que crearan looks escultóricos, sin género, sin temporada, exagerados, excesivos, dando a su creatividad la posibilidad de reinterpretar el concepto de lujo circular y las soluciones textiles circulares de nueva generación.

Ha sido un placer recibir a los diseñadores en nuestra biblioteca de innovaciones, dejándolos interactuar con los materiales. Para el Kering Material Innovation Lab es importante ‘vestir estas innovaciones’, como me gusta repetir. A veces, estas soluciones aún no están listas para ser usadas a gran escala por nuestras marcas, pero estas son oportunidades de experimentación creativa para nosotros, además de una manera de apoyar a marcas emergentes y darles visibilidad».

¿Cuáles son las innovaciones más avanzadas que los diseñadores han elegido del Lab? «Los tejidos con reciclados mecánicos, de algodón o lana, son, obviamente, ya conocidos en el sector, pero seguramente nosotros buscamos ir un paso más allá, trabajando con proveedores de gran experiencia que puedan garantizar la más alta calidad y experimentando no solo en reciclados de tela, sino también en desechos o sobrantes del algodón, por ejemplo. Encuentro muy interesante, entre todas las soluciones utilizadas por los diseñadores, la propuesta de una startup capaz de ‘lavar’ el color de los tejidos de poliéster, quizás usados o de fin de existencias, con un proceso de química verde a través de líquidos iónicos. No se usan, por tanto, solventes tóxicos o contaminantes. El tejido permanece intacto, se separa el color, que puede ser usado para teñir algo nuevo».

La curadora Giorgia Cantarini añade: «Siempre me impresiona cómo la creatividad de los diseñadores logra dar forma a la innovación textil de manera sorprendente. Personalmente, quedé impresionada por las soluciones que aprovechan los desechos para crear un material nuevo, de alta calidad. Como el pigmento negro derivado de desechos de madera, porque, notoriamente, los colores oscuros son un gran desafío para la sostenibilidad. Entre las prendas, la capa de Florania que se convierte en hamaca está revestida de pigmentos de polvo de mármol y tiene un efecto realmente único».

CAOIMHE DOWLING (Dinamarca)

Materiales elegidos. El look fue creado utilizando: tejidos denim de fin de uso reciclados mecánicamente, dejando el tejido sin teñir para resaltar la coloración índigo original; tejidos pre y post consumo transformados con tecnologías innovadoras capaces de obtener nuevas materias primas mezcladas con algodón de cultivo orgánico; fibras de camello recicladas para las partes complementarias.

Diseñador. Radicada en Copenhague, Caoimhe fundó su marca tras un MA en la Royal Danish Academy en «Fashion, Clothing & Textiles». Su prenda de culto es el abrigo de tweed de doble hilo Donegal Yarns. Entre sus inspiraciones, el punk y el movimiento Kibbo Kift con su compromiso amigable con la naturaleza.

FLORANIA (Italia)

Materiales elegidos. El look fue creado utilizando tejidos de algodón pre y post consumo transformados a través de una tecnología innovadora; tejidos de algodón de fin de uso reciclados mecánicamente; poliéster reciclado químicamente transformado a través de una tecnología innovadora en poliéster virgen; tejido recubierto parcialmente realizado con polvo de mármol; lentejuelas de poliéster reciclado.

Diseñador. Marca independiente de prêt-à-porter sin género y sin temporada, Florania propone looks totales realizados artesanalmente entre Milán y Mantua. Todo comienza con una colección upcycled a la que Flora Rabitti, diseñadora e ilustradora, añade decoración de estética «Solar Punk». Pionera en la experimentación textil, la marca colabora con empresas comprometidas con la formación artesanal a favor de grupos con antecedentes de vulnerabilidad.

GUIDO VERA (Chile)

Materiales elegidos. El look fue creado utilizando tejidos de algodón orgánico mezclados con fibras obtenidas de plantas de la familia de los plátanos (Abacá), transformadas en un material que ofrece una alternativa válida a los tejidos celulósicos vírgenes como el algodón. Además, hay tejidos recubiertos realizados con bioproductos agrícolas provenientes del cultivo y la producción de manzanas.

El diseñador argentino que desafía a un imperio de la moda

Fuente: Clarín – Se llama José Mollura y vive en Amsterdam.Fabrica carteras originales con el slogan “Siempre Josecito, nunca Luisito”, una ironía a Louis Vuitton.

José Mollura vive en Amsterdam desde hace casi dieciséis años y, como todos los argentinos con talento que viven en el exterior, se destaca. Se dedica alnegocio de las carteras, que fabrica en su propio taller-atelier ubicado a dos cuadras del Palacio de la Reina. Viralizó su historia porque desde su cuenta de Instagram desafía a las grandes marcas de lujo que venden una cartera por una cifra en dólares con varios ceros que muchas veces resulta imposible de creer.

“Siempre Josecito, nunca Luisito“ (en referencia a sí mismo y a la marca francesa Louis Vuitton) se convirtió en uno de sus slogans más representativos. Fue lo que le hizo ganar seguidores y captar la atención de clientes de todo el mundo. “Me gusta concientizar a la gente: ¿cómo una cartera con forma de bolsa de papas fritas puede salir 5.000 euros?”, dice Mollura en un posteo, en referencia a una cartera de Balenciaga inspirada en el paquete amarillo de papas Lays.En su local de Amsterdam. Sus diseños artesanales cuestan entre 600 y 3.000 dólares. Foto: Gentileza José Mollura.En su local de Amsterdam. Sus diseños artesanales cuestan entre 600 y 3.000 dólares. Foto: Gentileza José Mollura.

De Buenos Aires al mundo

Mollura pasó unos días por Buenos Aires, donde vive su familia y, a pesar de ser muy histriónico, todavía se asombra de la popularidad que ha logrado en nuestro país. Café de por medio (su otra pasión es el café, materia en el que es un experto), contó algo de su historia durante una charla en el Malba.

“En el secundario, los libros no eran lo mío. Soy disléxico y creo que el único libro que terminé es uno sobre el café. Siempre dije, desde chico, que tenía que hacer algo con las manos para vivir y, buscando, lo encontré. Mi bisabuelo era zapatero en Italia y entonces fui por ahí, por lo artesanal, por usar sobre todo las manos”, cuenta José, vestido con el mameluco que usa para trabajar en su espacio holandés.

Entre Italia y Holanda, el itinerario incierto lo llevó fuera de Europa: a la India y Tailandia. “Ahí trabajé gratis en una fábrica de zapatos. Antes había estado en la politécnica de Milán tratando de estudiar diseño de moda, pero el programa no era para mí, era demasiado teórico, con mucha historia de la moda y datos que no podía ni recordar. Yo quería trabajar con una máquina. En Calcuta aprendí mucho de telas, fue una gran experiencia. Ahí conocí a una persona vinculada al café que me llevó a trabajar a Holanda. Cuando me lo ofreció, recuerdo que estaba en Tailandia, donde también estuve un tiempo viviendo en un templo budista. Pero acepté la oferta. Tengo gusto absoluto para el café, es algo que me encanta. Así que ahora combino mis dos pasiones en Holanda: las carteras y el café.”

En Amsterdam comenzó la historia de las carteras que llevan su nombre. Combinó la fabricación de accesorios con el mundo cafetero: “Veía los sacos que traían los granos adentro y eran de arpillera: me decía a mí mismo que tenía que hacer algo con esa tela. Esos fueron mis primeros modelos. Los hacía en un taller que tenía en mi casa, ubicada en los suburbios de la ciudad, al norte. Tenía que cruzar con un barquito para llegar. Era un barrio de mucha delincuencia por ese entonces“, recuerda Mollura.

“Con el tiempo, fui progresando, comprando más máquinas, haciendo nuevos modelos, sumando texturas. Paralelamente, seguí en el negocio del café hasta hoy. Los lunes, que el local de carteras está cerrado, me dedico a eso. Trabajo en una empresa que es un laboratorio que importa café de Etiopía y Kenya. Cada seis semanas, además viajo al este de África para comprar granos. Es otro ingreso, aunque como me gusta tanto, lo haría gratis.”

En 2012 el ascendente diseñador de carteras participó de un concurso que organizó la Municipalidad de Amsterdam. Su modelo, pensado para andar en bicicleta, resultó ganador de la categoría Nuevo Concepto: “Es un diseño que hago hasta hoy. El premio del concurso era estar en un local del centro, en una de las calles más importantes de Amsterdam, durante cuatro meses, y creo que ése fue el despegue de mi carrera profesional con las carteras”, explica luego de posar con dos de sus modelos exclusivos en las afueras del Malba.

El crecimento fue muy lento, pero así tenía que ser; si tuviera que repetir la historia, firmaría para que fuera así otra vez. Si hubiera sido diferente, no sé si lo habría tolerado. Hoy, a mis 45 años, me doy cuenta de que todo estuvo bien como se dio”, dice.José Mollura se dedica a sus dos pasiones, las carteras y el café. Foto: Gentileza José Mollura.José Mollura se dedica a sus dos pasiones, las carteras y el café. Foto: Gentileza José Mollura.

Me gusta concientizar a la gente: ¿cómo una cartera de marca Balenciaga con forma de bolsa de papas fritas Lays puede salir 5.000 euros?

José MolluraDiseñador

Clientes “Made in USA”

Hernán Cattaneo es uno de los argentinos que un día fue a visitarlo luego de un show que dio en Países Bajos. Como Mollura lo admira, en su Instagram tiene el registro del paso del DJ argentino por su local. “Creo que el segundo libro que terminé en mi vida fue el de Hernán. Él habla siempre del crecimiento lento, de ir de a poco. Habla de lo que pasa hoy, de los chicos que hacen música: sacan un tema, lo explotan en Spotify, llenan un estadio y luego no saben cómo procesar todo lo que les pasa. Admiro a Hernán, cada vez que toca en Holanda, voy.Le hice un bolso para sus auriculares. Se lo di desde el corazón, sin pedirle nada a cambio, ni un posteo, nada. Lo sentí así”, cuenta orgulloso.

¿Acaso José Mollura elige a sus clientes? “Cuando alguien entra a mi local, sé si va a comprar, si va a copiar algo, si se va y luego va a volver. O si no vuelve más. Es un instinto que tengo. Muchas veces los clientes eligen un modelo y les digo que no es para ellos. No quiero que mis bolsos y mis carteras sean solo un souvenir de Amsterdam. Quiero que le den un valor”, aclara.

El 70% de la clientela del argentino viene de los Estados Unidos y el resto, son todos europeos. “Me gustaría en un futuro tener una tienda norteamericana. Una de mis inspiraciones es el chef españolFerran Adriá, que fue elegido varias veces como el mejor del mundo. En el invierno, cerraba su local para pensar qué hacer, para proyectar un nuevo menú. Eso me gustaría hacer a mí. Estar un tiempo en Amsterdam y luego irme por unos meses a una ciudad como San Francisco. Justamente estoy trabajando en eso.”Sus diseños. Puede llegar a hacer hasta 6 en un día y tiene más de 60 en carpeta. Foto: Ariel Grinberg.Sus diseños. Puede llegar a hacer hasta 6 en un día y tiene más de 60 en carpeta. Foto: Ariel Grinberg.

Crear un bolso único

El proceso creativo de un diseño estilo Mollura comienza con las ideas que le llegan a su cabeza por la mañana, cuando sale a andar en bicicleta o cuando corre. Cuenta: “Siempre tengo un papel y un lápiz, así que cuando baja el concepto, paro de hacer lo que estoy haciendo y lo dibujo. Apunto a algo distinto, diferente, único cada vez. No me repito jamás. Si el cliente quiere algo que usan muchos, que vaya a buscarlo a una cadena. En mi local no hay un bolso parecido al otro. La verdad es que si yo siento que me estoy aburriendo de hacer un modelo, no lo hago más”.

Mollura es workaholic: “Hay muchos modelos en el local y la gente entra y me dice: ‘Me gustan todos’. A veces, es mejor que no haya tanta cantidad: la gente con mucho se confunde. Siempre pienso: tendría que tener 10 modelos de mujer y 10 modelos de hombre. Sin embargo, tengo en carpeta más de 60. No puedo parar”, cuenta.

“Estos días me levanto temprano, tomo un café y arranco. Si estoy muy embalado, puedo llegar a hacer hasta 6 bolsos en un día. En el medio, atiendo a los clientes. Trabajo solo. Y para mí la venta es una consecuencia de un proceso creativo. Siento más felicidad al colgar el bolso en la pared que al venderlo. Yo soy un líder para mí mismo. Compito conmigo. Quiero una demanda contenida, nunca voy a vender cientos de bolsos. Ahora, por ejemplo, para tener un modelo nuevo hay que esperar tres meses. Los hago yo, me hago cargo de todo. Es un trabajo emocional.”

¿Hay modelos especiales a pedido? “Hago algunos, me dicen que les gusta determinada textura o mezcla de colores. Lo hago, pero los clientes saben que tarda un tiempo, y lo esperan”, dice orgulloso.

Los diseños Mollura cuestan entre 600 y 3.000 dólares. “Este año la gente está cuidando la plata en todo el mundo; nadie sabe qué va a pasar. Pero siempre hay un mercado para lo que hago. De todas maneras, mi objetivo no es un local explotado de gente. Lo mío es algo más artesanal. Yo invertí todo ahí. Tengo una vida muy austera. No tengo lujos, mi lujo son las máquinas“, afirma con convicción."Diseño con dos manos y una escuadra". Foto: Gentileza José Mollura.«Diseño con dos manos y una escuadra». Foto: Gentileza José Mollura.

La venta es consecuencia de un proceso creativo. Compito conmigo mismo. Quiero una demanda contenida: nunca voy a vender cientos de bolsos.

José MolluraDiseñador

Josecito contra Vuitton

Un pequeño equipo de marketing en Holanda lo ayudó en la comunicación de la marca. “A mi local viene gente con modelos de Vuitton, Gucci, todas esas marcas… Me lo muestran y me dicen: ‘Sé que con esta cartera estoy pagando marca’. Entonces, sentado con Matías Laña, un creativo argentino que viaja por el mundo, me dijo: ‘Esto hay que sacarlo a la luz. Con tu carácter, si hacemos las cosas bien, puede explotar’. Y arrancamos. Pusimos play, grabamos el primer video hablando sobre lo que se paga por una marca de moda.”

En uno de los videos publicados en su Instagram, le habló directamente al creador de Vuitton. “Luisito, con estas dos manos y un par de máquinas hago toda esta colección. ¿Vos cuánta gente necesitás para hacer tus bolsos? ¿100, 200? ¿Cuántos? Cuando producís en serie, perdés calidad. Por eso, siempre Josesito, nunca Luisito”, dice a la cámara Mollura con humor.

“En los videos también conté que diseño con dos manos y una escuadra. La escuadra está en el local y ahora la gente pasa y se saca fotos con ella. Es insólito. Y es impresionante cómo me escriben los argentinos. Creo que me ven y se dan cuenta de que se puede, de que si tenés pasión, se puede. Creo que esto lo recepcionan mucho los argentinos que se están yendo ahora buscando nuevos destinos”, asegura.

Aspirando a Máxima

¿El futuro de Mollura? Se imagina en San Francisco, con un auto de los ‘60 y Leonardo Di Caprio de cliente. Imposible terminar la entrevista sin preguntarle por Máxima, la argentina más famosa de Holanda. “La vi una vez en una acto, pero ni me acerqué. Ni loco se me ocurriría molestarla porque la debe molestar todo el mundo. Claro que me gustaría hacerle llegar uno de mis diseños con mi logo, que son las tres cruces de Amsterdam. Estoy esperando que un día venga al local y me diga: ‘Escuché de vos’.”

Lady Gaga eligió un diseñador argentino y el look fue verdaderamente polémico: quién es y qué se puso

Fuente: mdz – Después de varios años con un estilo más refinado, Lady Gaga volvió a sus orígenes audaces con un vestido totalmente fuera de lo común. ¿Su creador? Un argentino que trabaja con material reciclado.

En sus comienzos y durante varios años, Lady Gaga se convirtió en la artista más esperada de las alfombras rojas debido a la incertidumbre que generaban sus estilismos. Por osados, extravagantes y llamativos, la cantante siempre sembraba expectativas por el look que podía llevar en un evento.

Desde un vestido de carne hasta un carruaje que la envolvía en un huevo de plástico, Lady Gaga jugó con la moda a su manera y siempre se quedaba con la atención de todo el mundo. A medida que su carrera avanzó hacia una faceta más introspectiva y actoral, la celebridad decidió cambiar su estética y apuntarse por un estilo más elegante y conservador.

Lady Gaga retornó a su estilo osado con un vestido blanco, formado por partes de automóvil. Foto: Instagram @ladygaga.

La buena noticia es que su regreso a las raíces se ha convertido en uno de los hitos inesperados del 2024. Gracias al estreno de su film, «Chromatica Ball» – película que retrata su último tour mundial – Lady Gaga volvió a ser quien fue en sus primeros años. Y lo hizo de la mano de un diseñador argentino.

La artista pisó la red carpet con un vestido blanco, cuya distinción se apoyó sobre una estructura similar a la de un automóvil que se desprendía de su pecho. Pero, ¿quién fue el encargado de este extraño look? A pesar de que la cantante tenga oportunidad de acceder a cualquier mega marca de lujo, Lady Gaga optó por apoyar a la marca Selva comandada por el argentino, Cristian Huyges.

Cristian, diseñador industrial y arquitecto, se dedica a la moda desde muy joven a pesar de que sus carreras universitarias no se introdujeran directamente en este mundo. Afincado en Berlín, el artista es conocido por trabajar con materiales reciclables de todo tipo, como por ejemplo, partes de un automóvil.Te podría interesar

Esta idea es la que claramente definió por completo el look de Lady Gaga. Con las pequeños elementos de un coche, Cristian Huyges pudo alcanzar un nivel máximo de sorpresas, elogios y atención hacia sus diseños. La precisión y detalle de sus bases en arquitectura y diseño, sumado a su creatividad en la moda, crearon el conjunto perfecto para el regreso de Lady Gaga a las red carpets.

¡Aplausos para el diseño argentino!

No era nadie, empezó a vender jeans y de la noche a la mañana su nombre se hizo famoso en todo el mundo

Fuente: Clarín – Creció en una familia numerosa de clase trabajadora en una pequeña ciudad de menos de treinta mil habitantes en el estado de Nueva York. Era el segundo de nueve hermanos; en la escuela pasaba desapercibido: no lo tenían en cuenta para los deportes y, a causa de su dislexia no diagnosticada, tampoco era buen estudiante.

A mediados de los ochenta, gracias a un golpe publicitario de impacto, su vida cambió para siempre y hoy es un referente del mundo de la moda.

Su nombre es Tommy Hilfiger.

Azul, rojo y blanco. ¿Le suena? Cualquiera más o menos adentrado en el universo de las marcas de indumentaria ve esos tres colores juntos y piensa en él.

La compañía que comenzó vendiendo ropa preppy (apuntada a estudiantes varones de la preparatoria estadounidense) y fue popularizada por los raperos estadounidenses ahora es símbolo de lo cool y la clase media-alta angloparlante.

Los orígenes de una marca líder en el mundo

Antes de crear la marca que todos conocemos, Tommy Hilfiger era el dueño de una cadena de tiendas de jeans y moda llamada People’s. La mantuvo abierta durante diez años.

El gran salto lo dio -casi sin darse cuenta- cuando entre 1984 y 1985 el empresario indio Mohan Murjani confió en él para ofrecerle formar una sociedad.Una foto de Tommy Hilfiger en 2023. Tiene 73 años. Foto: AFPUna foto de Tommy Hilfiger en 2023. Tiene 73 años. Foto: AFP

Murjani quería que Hilfiger liderara su línea de ropa deportiva para hombres, entonces aportó dinero para que crearan juntos una empresa denominarían Tommy Hilfiger Corporation.

Como Hilfiger era un don nadie y necesitaba darse a conocer en el ambiente, debía idear una buena campaña de marketing. Y ya que con la llegada de Murjani contaba con mayor capital, ¿por qué no intentar contratar al mejor publicista de la década? El nombre y apellido de esa persona era George Lois.

El diseñador gráfico que había cambiado la historia de la publicidad en los sesenta aceptó la oferta y enseguida puso manos a la obra -cerebro, mejor dicho-. Con una sola idea hizo que en un día el nombre de Tommy Hilfiger pasara del más oscuro anonimato a las tapas de los diarios y los titulares de los noticieros de todo el mundo.

Un golpe de efecto

Para promocionar la nueva empresa, Lois no veía otra alternativa que dar un golpe de impacto. Si Hilfiger quería hacerse famoso rápidamente debía protagonizar un escándalo.People's, la tienda de jeans de Tommy Hilfiger. Estuvo 10 años abierta.People’s, la tienda de jeans de Tommy Hilfiger. Estuvo 10 años abierta.

“Si querés un nombre en la moda vas a necesitar millones de dólares en publicidad. Y eso llevará años. Pero si querés ser reconocido mañana necesitas algo escandaloso”, dice Lois en un documental que se viralizó recientemente en X.

El «golpe» consistió en la colocación de un enorme cartel en pleno Time Square en el que Tommy Hilfiger era comparado con los popes de la moda: Ralph Lauren, Calvin Klein y Perry Ellis.

“Los 4 grandes diseños americanos para los hombres son…”, se leía en el letrero que debajo mostraba una línea de puntos que invitaba a los transeúntes a adivinar los apellidos del cuarteto. Los primeros tres eran fáciles, ¿pero el último?

En la Séptima avenida de la Gran Manzana se preguntaban quién era el atrevido que osaba compararse con la tríada de genios.

A Tommy desde un comienzo le aterró la idea. Temía ser defenestrado por sus pares: ¿Cómo iba a compararse con los representantes de la moda masculina de ese entonces? “No puedo hacer eso. Suena como si estuviera presumiendo. Esos son los dioses”, dice el diseñador que pensaba en aquel entonces.En la esquina superior derecha, el cartel creado por Lois.En la esquina superior derecha, el cartel creado por Lois.

“Creí que iba a ser el final de mi carrera, entonces pensé que tal vez mi nombre se daría a conocer. Que la gente miraría la ropa y le gustaría. Y la gente se volvió loca”, agrega el diseñador.

El escándalo escaló a tal punto que Hilfiger fue citado al mítico programa del presentador Johnny Carson. En los meses siguientes, además, Tommy siguió con el juego y declaraba adonde quiera que fuera que él era “el próximo gran diseñador estadounidense”.

Del odio al amor

Su apellido se había hecho famoso, pero de manera infame.Tommy Hilfiger fue una de las marcas que popularizaron los raperos estadounidenses en los 90. Foto: APTommy Hilfiger fue una de las marcas que popularizaron los raperos estadounidenses en los 90. Foto: AP

Calvin Klein, por ejemplo, se peleó a los gritos con el creador del cartel en un restaurante de Nueva York y el establishment de la moda despreció a Hilfiger hasta mediados de los noventa, cuando la marca ya era sumamente popular.

En 1994, el año en que Hilfiger tenía todas las de ganar para quedarse con el premio Diseñador de Ropa Masculina del Año del Consejo de Diseñadores de Moda de Estados Unidos, la entidad decidió no otorgar el premio (que sí le entregaron en 1995).

Para ese entonces, Hilfiger era sinónimo de éxito y poco le importaba. Poco a poco su evidente talento fue eclipsando en el ambiente la idea de que era un outsider sin experiencia.Hilfiger, venerado durante un desfile en 2013. Foto: APHilfiger, venerado durante un desfile en 2013. Foto: AP

Tommy Hilfiger, hoy

Hilfiger rompió su sociedad con Murjani en 1989 y comenzó a trabajar con el empresario hongkonés Silas Chou y ex ejecutivos de Ralph Lauren en lo que ya era conocido como Tommy Hilfiger, Inc.

Hoy en día, la compañía se llama Tommy Hilfiger B.V., tiene sede en los Estados Unidos, y cuenta con fábricas en China, Sri Lanka, Filipinas y otros países asiáticos. Diseña no solo ropa para hombre y mujeres, sino también una amplia gama de productos con licencia que incluyen hasta muebles para el hogar.Carteras Tommy Hilfiger con el reconocido logo de la marca.Carteras Tommy Hilfiger con el reconocido logo de la marca.

Sus productos se comercializan al por menor en más de 100 países y Tommy Hilfiger sigue siendo el diseñador principal de la marca, que tras pasar por varias manos hoy pertenece mayormente a PHV Corp.

Para 2022, Tommy Hilfiger B.V. alcanzó 9.100 millones de dólares en ventas minoristas mundiales.

Calvin Klein regresa a las pasarelas con una nueva directora creativa

Fuente: Ámbito – Verónica Leoni será la diseñadora creativa de la marca, además la casa volverá a las pasarelas con atuendos, ropa interior y accesorios para hombres y mujeres. Cuándo volverán y cuánto recaudo la marca en el año 2023.

La marca estadounidense Calvin Klein Collection anunció el jueves su «próximo regreso a las pasarelas» tras una ausencia de cinco años. Pero con el nombramiento de una nueva directora creativa, la italiana Verónica Leoni.

Esta diseñadora de 40 años trabajó en las casas Jil Sander, Celine, Moncler y The Row, antes de fundar su propia marca, Quira.

La vuelta de Calvin Klein a las pasarelas

«Desde nuestras primeras conversaciones quedó claro que el trabajo de toda la vida de Verónica la había preparado para este momento y esta oportunidad de definir una nueva era para Calvin Klein», dijo la presidenta global de la marca, Eva Serrano.

Calvin Klein no organiza un desfile de moda desde marzo de 2019, cuando decidió centrarse en el prêt-à-porter del mercado masivo. En aquel momento, el resurgimiento provocado por el diseñador belga Raf Simons no se había traducido en ventas.

Verónica Leoni afirmó que pretende poner «un fuerte énfasis en el estilo y la creatividad», según señala el comunicado de prensa de la empresa. La nota también anticipó que la próxima colección incluirá atuendos, ropa interior y accesorios para hombres y mujeres, y debutará en el otoño de 2025.

Las ventas de Calvin Klein durante 2023

La empresa matriz PVH, que también es propietaria de Tommy Hilfiger, decidió entonces cerrar la filial de alta gama, llamada Calvin Klein 205W39NYC. Adquirida por PVH a su fundador en 2003, Calvin Klein tuvo un estimado en ventas minoristas de unos 9.000 millones de dólares en todo el mundo en 2023, una cifra que se mantiene estable en comparación con la de 2017.

La propia casa anunció una facturación de 3.640 millones de dólares durante el ejercicio financiero anual que finalizó el 4 de febrero, un 4% más que el año anterior.

La IA interfirió con la gran gala de la moda

Fuente: La Gaceta – Impactantes imágenes de Katy Perry invadieron las redes sociales mientras discurría la Met 2024. Pero eran falsas: la cantante no concurrió a la fiesta.

Pasó la gran cita de la moda mundial. La MET Gala 2024 de la noche del lunes en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York estuvo dominada por vestidos floreados de cuidado diseño y estampado colorido. Entre las imágenes del año -que se viralizaron rápidamente por las redes sociales, principalmente X- estuvieron las de la espectacular Katy Perry luciendo dos modelos que respondían a esa tendencia: un vestido beige con tonos verdes y flores en abanico en una amplia cola, y otro con un corset metalizado y falda corta que dejaba al descubierto sus piernas.

Hasta ahí, nada para sorprenderse demasiado, más allá del asombro de la confección y diseño. El tema es que Perry no estuvo en la cita, ni vestida de ese modo ni de ningún otro. La cantante fue reemplazada por una creación por Inteligencia Artificial (IA), posando en una alfombra roja tan falsa como su ropa, tomada de un evento de años atrás. Si bien el montaje denotaba ser burdo en los detalles, poco importaba: el episodio sirvió para volver a instalar el debate acerca de los límites entre la IA y la realidad, y si el uso de la tecnología tiene permitido todo, incluso el engaño.

ZENDAYA. La actriz se lució en la noche del lunes en la cita de la moda. ZENDAYA. La actriz se lució en la noche del lunes en la cita de la moda.

En las redes, de la reacción inicial se pasó al enojo por la ausencia de advertencia de que era una invención. Así se plantea otra vez la importancia de que estas publicaciones confiesen expresamente ser una ficción, más allá de que el hecho del lunes no pase de la anécdota ni tenga más entidad que sentirse defraudado por haber elogiado algo que no existía. Ni la cantante ni el evento sufrieron consecuencia alguna pero, ¿hubiese pasado lo mismo en otro escenario?

La difusión masiva de una foto inventada tiene el mismo rango que la circulación de una noticia falsa. La ausencia de la ética o el delegar todo simplemente a su aplicación individual impone repensar ciertas categorías de circulación de la información (y una imagen integra este capítulo). Una simple mención de que algo surge de la IA evitaría confusiones, que pueden motivar reacciones que van desde la indignación desmesurada al elogio sin límites, con varias escalas intermedias. Así, volvieron a levantarse las voces pidiendo una legislación global (algo inalcanzable actualmente) que regule su uso.

K-POP. La banda coreana Stray Kids se presentó con trajes de Tommy Hilfiger. K-POP. La banda coreana Stray Kids se presentó con trajes de Tommy Hilfiger.

Lo cierto es que hasta la propia madre de la artista cayó en el error buscado: le mandó un mensaje de felicitación por haber asistido a la cena y elogió su atuendo. “No pude llegar al MET, tuve que trabajar. Mamá, la IA también te atrapó, ¡CUIDADO!”, le respondió la cantante, con la última palabra en mayúsculas.

Injusticia

En el caso bajo debate, la ausente Kate opacó a quienes fueron a la convocatoria, lo cual es de por sí injusto respecto a quienes se esforzaron y le dedicaron horas a prepararse para lucirse. Una de las más elogiadas fue Zendaya, quien volvió a la Met Gala (fue una de las anfitrionas) tras cinco años y lo hizo con una magnífica Maison Margiela de la colección de Dior de hace 25 años en verde y azul, personalizada de John Galliano, completada con joyas Bulgari, que respondía a la consigna de la noche: “Bellas durmientes: el despertar de la moda”, basado en el cuento “El jardín del tiempo” de J. G. Ballard, de 1962. La propuesta tiene como autor a Andrew Bolton, quien declaró a Vogue que apostaba a que se muestre “una oda a la naturaleza, con muchos diseños que aludan directamente a la belleza de la flora y la fauna”.

ESPECTÁCULO EN SÍ MISMO. Gigi Hadid, con un vestido de Thom Browne. ESPECTÁCULO EN SÍ MISMO. Gigi Hadid, con un vestido de Thom Browne.

Zendaya tuvo una segunda aparición con otro modelo, al lucir un vestido negro vintage de Givenchy de 1996, con un sombrero repleto de rosas.

En sintonía con la temática y en paralelo a la reunión social, el Museo montó una exposición de prendas de vestir de la historia con “herramientas de vanguardia, inteligencia artificial, imágenes generadas por computadora, formatos tradicionales de rayos X, animación de video, proyección de luz y paisajes sonoros”, señalaron, para dar por tierra cualquier clase de enfrentamiento entre la tecnología y la alta costura.

ENFUNDADA. Kim Kardashian se puso un apretado corsé plateado de hojas. ENFUNDADA. Kim Kardashian se puso un apretado corsé plateado de hojas.

A la par de los detalles estéticos de cada prenda, la MET quiere posicionarse todos los años como referencia para inspirar conductas. Así, la elección de la naturaleza como eje apunta a que se piense en la importancia de respetarla y defenderla, precisamente en el seno de una industria que suele ser agresiva en distintas etapas del proceso textil.

PASO DEL TIEMPO. La cantante Tyla usó un reloj de arena en vez de bolso. PASO DEL TIEMPO. La cantante Tyla usó un reloj de arena en vez de bolso.

Pero también sirve como marca de identidad en las costumbres de una sociedad. En ese contexto, la aparición de Kim Kardashian con su figura apretada al extremo en su cintura (dentro de un corsé de brocado plateado con una falda de metal que simulaba flores y hojas) motivó especulaciones en el mundo virtual acerca de cómo podía siquiera respirar y fue considerada la exhibición de un cuerpo inexistente en la vida cotidiana, que causó incluso revuelo en una polémica que continuó ayer.

FUERA DE LA TENDENCIA. Cara Delevingne desafió la consigna primaveral. FUERA DE LA TENDENCIA. Cara Delevingne desafió la consigna primaveral.

Gustavo Pucheta & Fabián Paz, camino a la Met Gala

Fuente: Clarín – Los diseñadores Gustavo Pucheta y Fabián Paz son los argentinos elegidos este año por la Met Gala que se celebra, como todos los años, el primer lunes de mayo en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, organizada por la revista Vogue y su alma mater, Anna Wintour.

Esta vez, la temática lleva un nombre romántico: «Bellas durmientes, el despertar de la moda», y todos los diseñadores y celebridades internacionales convocadas para el evento de moda más importante del año han dado lo máximo para deslumbrar en la alfombra roja más influyente de la industria.

La dupla Pucheta-Paz fue convocada por el canal E! Entertainment para ser parte de la antesala de la transmisión con un fashion filme, inspirado en la consigna de este 2024.Como salido de un cuento de hadas. Kaumann lleva un vestido color nude, con una falda campana maximalista de más de ocho metros de largo. Foto: Gentileza Gabriel Rocca.Como salido de un cuento de hadas. Kaumann lleva un vestido color nude, con una falda campana maximalista de más de ocho metros de largo. Foto: Gentileza Gabriel Rocca.

Y así fue que los diseñadores convocaron a la supermodelo Iman Kaumann para que sea su musa, dirigida por el reconocido fotógrafo Gabriel Rocca, quien supervisó un equipo de más de 20 personas en Arenas Studio, donde se realizó el video. Andrés Pastor puso su magia como estilista, Sergio Lamensa se ocupó del peinado y Vero Momenti, del maquillaje.

Anacronesia es el título elegido por los argentinos para el video en donde la Kaumann lleva un vestido color nude que parece salido de un cuento de hadas.Maxivestido con maxi corset de más de 25 metros, en distintas capas, totalmente armado con ballenas. Foto: Gentileza Gabriel Rocca.Maxivestido con maxi corset de más de 25 metros, en distintas capas, totalmente armado con ballenas. Foto: Gentileza Gabriel Rocca.Gustavo Pucheta, Imán Kaumann y Fabián Paz. Foto: Gentileza Gabriel Rocca.Gustavo Pucheta, Imán Kaumann y Fabián Paz. Foto: Gentileza Gabriel Rocca.

“Está hecho en organza rígida transparente, un maxi corset que envuelve desde el rostro hasta el final de las piernas transformándose en un gran vestido de más 25 metros en distintas capas,totalmente armado con ballenas que develaban la estructura de esta prenda que finaliza con unas mangas maximalistas, evocando una sirena que desea salir de la oscuridad“, comenta Gustavo Pucheta.

“El otro diseño es un vestido de silueta evasé a modo de una metamorfosis de liberación y despertar de la moda en metros y metros interminables de ballenas que armaron y estructuraron una falda doble campana maximalista, de más 8 metros de largo, que se ajusta en el módulo superior en una corsetería de cortes geométricos“, agrega el diseñador ganador del Martín Fierro de la Moda Revelación 2023.

Agradecimiento: E! Entertainment. Estilismo: Andrés Pastor. Modelo: Iman Kaumann (Lo Management). Pelo: Sergio lamensa. Maquillaje: Vero momenti. Locación: Arenas Studio. Foto: Gentileza Gabriel Rocca.

M|O|D|A: la innovación argentina deslumbra en el Design District de Miami

Fuente: Perfil – Metropolis of Design Art conquistó el corazón del Design District de Miami con su fusión única de moda y espectáculo en una velada exclusiva que redefinió los estándares de la pasarela.

El evento Metropolis of Design Art, que encendió la pasarela del Design District, buscó marcar la pauta en la pasarela de Miami donde se estrenó el prestigioso Paradise Plaza el 12 de abril de 2024. La exclusiva jornada contó con la presencia de destacados diseñadores argentinos de alta costura, entre ellos Gustavo Cadille, Fabián Zitta y Claudia Arce.

Los diseñadores argentinos presentaron sus últimas creaciones en un entorno elegante y glamoroso. El acceso al evento fue exclusivamente por invitación, ya que no se vendieron boletos al público en general. El Design District de Miami, reconocido por su moda de alto estilo, arte y arquitectura moderna, proporcionó el escenario perfecto para esta primera presentación.

M|O|D|A: la innovación argentina deslumbra en el Design District de Miami

M|O|D|A fue concebido por la ex Miss Argentina Nadia Cerri, una experimentada productora de desfiles de moda que buscaba introducir innovación en las pasarelas de Miami. Nadia Cerri, originaria de Buenos Aires, proviene de una familia de emprendedores que fueron un ejemplo a lo largo de su vida profesional, inspirándose a enfrentar desafíos con determinación. 

M|O|D|A: la innovación argentina deslumbra en el Design District de Miami

Con más de 20 años liderando su propia empresa de entretenimiento, Nadia produjo diversos espectáculos, desfiles y producciones para televisión y medios digitales. Su experiencia y pasión por la industria la llevaron a incursionar en otros países, donde encontró nuevas oportunidades y proyectos laborales, explorando destinos en diferentes continentes. 

M|O|D|A: la innovación argentina deslumbra en el Design District de Miami

Cada diseñador fue presentado en pantalla LED antes de su pasarela. La productora narró la historia personal de cada uno en breves minutos, honrándolos con un video que mostraba su viaje creativo, editado especialmente para la ocasión, con el fin de que los creadores pudieran conectarse con el público local. 

El evento contó con la participación de varias personalidades destacadas como Nazarena Nobile, acompañada de su marido Marcelo Schamy. La periodista Melisa Zurita, la influencer Maite Peñonori, la modelo Andrea Estevez y entre las invitadas también estuvo Agustina Lecouna y Analía Castellanos. Agustina Castroman también participó de la producción de este mega desfile.

M|O|D|A: la innovación argentina deslumbra en el Design District de Miami
Maite Peñonori, Nadia Cerri y Nazarena Nobile

Además de los diseñadores mencionados, el evento contó con la participación de talentosos creadores como Mónica Kursner y Sol Robles, que fueron muy aplaudidas por creatividad y diseño. También se lucieron los ponchos artesanales creados en Catamarca, como detalle típico argentino, que impactó a la audiencia local.

M|O|D|A: la innovación argentina deslumbra en el Design District de Miami

El momento más emotivo de la noche llegó cuando Nadia Cerri compartió su historia personal: «Desde niña, me apasionaba la moda y participaba en concursos de belleza. Recuerdo la imagen de mi madre cosiendo vestidos hasta altas horas para que yo pudiera competir. Un día ella fue Miss Argentina y desde entonces, la moda se convirtió en parte integral de mi vida».

M|O|D|A: la innovación argentina deslumbra en el Design District de Miami
Mónica Kursner, Nadia Cerri y Claudia Arce

Supervisando las operaciones detrás del escenario con 25 modelos profesionales, estuvo la experimentada productora de pasarela, Pitu DiMarco. Miami, la capital del arte y la moda, se erige como el destino aspiracional para diseñadores, artistas e influencers de todo el mundo. M|O|D|A tuvo como objetivo mostrar la pasarela de Metropolis of Design Art al mundo en esta vibrante ciudad del sol.