Categoría: Designers

Fuente: Infobae – La era dorada de los clubes de Nueva York llegó al país de la mano de MamyBlue, una marca que logró reafirmar su compromiso genuino con las mujeres de talles grandes y su misión de empoderarlas a través de su nueva colección STUDIO AW24.

Un nuevo hito se ha conseguido en la industria de la moda argentina de la mano de MamyBlue, una marca con más de 50 años de historia. En un evento cuidadosamente diseñado, la firma consiguió impactar y sorprender a clientas VIP, periodistas e invitados especiales con la presentación de su nueva colección en lo que fue el primer desfile de talles grandes en el país.

Nazarena Vélez, Matilda Blanco, Carmen Barbieri, Pia Shaw, Fernanda Iglesias y May Martorelli fueron algunas de las caras conocidas que asistieron a la noche de gala para conocer las prendas de la colección STUDIO AW24, la cual está inspirada de manera genuina en mujeres curvy de todas las edades.

El evento evocó la atmósfera deStudio 54, un icónico club de Nueva York que era frecuentado por las máximas celebridades de los Estados Unidos y Europa. Luces, DJ, alfombra roja y tragos especiales fueron parte de la escenografía que deslumbró al público.

La colección STUDIO AW24 está inspirada de manera genuina en mujeres curvy de todas las edades (@mamyblueoficial)

El desfile presentó una pasarela 100% curvy para dar a conocer la nueva colección. Los looks, en tanto, estuvieron cargados de cadenas, fantasías y brillos, con tendencias en texturas, prints exclusivos y colores vibrantes, características distintivas de esta marca pionera en moda inclusiva.

Moda curvy: tendencias y estilos a nivel global

Entre íconos clásicos y nuevos modelos, la gala dio a conocer prendas para cualquier ocasión: abrigos, jeans, pantalones, blusas, bombers, polleras y vestidos. Todas han sido cuidadosamente diseñadas para resaltar la elegancia y el estilo de quienes las lucen.

Por su parte, las celebridades que asistieron no solo aportaron glamour al evento, sino que también destacaron la importancia que posee la moda inclusiva y el impacto positivo que genera MamyBlue en la industria.La era dorada de los clubes de Nueva York llegó al país de la mano de MamyBlue, una marca que logró reafirmar su compromiso genuino con las mujeres de talles grandes y su misión de empoderarlas a través de su nueva colección STUDIO AW24.

“Con esta colección, quisimos cumplir con nuestro objetivo de hacer realidad el sueño de la elegancia para todas las que buscan tener este estilo, que está basado en nuestro lema: Inspired by Curvy Women”, aseguraron desde el equipo de diseño de la empresa.

Asimismo, hicieron hincapié en el alto nivel de cercanía que ha logrado estrechar con sus clientas y distintas personalidades durante más de medio siglo. Así, refleja su compromiso y su misión de empoderar a las mujeres de distintas tallas a través de la moda.

A lo largo de su historia, MamyBlue se ha destacado en el mercado de la indumentaria femenina por sus prendas plus size de alta calidad, con excelencia en telas y diseños originales. A través de locales exclusivos y puntos de venta en todo el país, ha conseguido consolidar su presencia y mantener un equipo de trabajo sólido y vanguardista.

MamyBlue replicó una atmósfera que evocó a viejos clubes de Nueva York (@mamyblueoficial)

Un evento que marcó un antes y un después en la moda nacional

El desfile no solo fue un evento de moda, sino también una celebración de la diversidad y la inclusión en la industria. Con una escenografía deslumbrante y una colección que combina estilo y comodidad, la empresa ha demostrado una vez más por qué es referente en el sector de la moda curvy.

Al finalizar la gala, la atmósfera continúo siendo de celebración y orgullo por haber generado en el país un espacio donde todas las mujeres se sintieran valoradas. La colección STUDIO AW24 consiste en un fiel reflejo del fortalecimiento de un movimiento que promueve la aceptación y el empoderamiento a través de la ropa.

Sin dudas, el éxito de este primer desfile de talles grandes en la Argentina es solo el comienzo de una nueva era para MamyBlue y la industria de la moda en general. Con un enfoque en la inclusión y la diversidad, la marca continuará innovando y liderando el camino hacia una moda más representativa y accesible para todas.

Para más información, se puede ingresar al perfil oficial de la empresa en Instagram o a su sitio web.

Fuente: La Nación – Cuanto tenía 13 años, Liliana Barrera volvía de la escuela y se ponía a coser junto a su madre; desde entonces, siempre se dedicó al rubro; un microcrédito le permitió cumplir el sueño de tener su propia marca.

Liliana Barrera tiene 54 años y se dedica a la costura hace tanto tiempo que ya no necesita usar moldes para cortar la tela. Nacida y criada en Ricardo Rojas, en un barrio vulnerable de Tigre, empezó a trabajar en el taller de su madre –que luego heredó– cuando era adolescente. Sin embargo, no fue hasta 2011 que, gracias a un microcrédito que le financió una ONG, pudo cumplir el sueño de tener su propia marca de ropa: Amasol.

Al entrar a su taller, llaman la atención tres maniquíes con vestidos de fiesta hechos por Liliana. Uno es verde y el otro tan blanco que parece un vestido de novia. El último tiene unas flores cosidas en la parte superior que son del mismo tono de rosa del vestido, y que Liliana enseña a hacer en los cursos que da. Son para sus hijas: Agustina (30), Máxima (18) y Sol (15), las tres mujeres detrás del nombre de su emprendimiento.

“Descansás un ratito y después a trabajar”, le decía su madre a Liliana cuando volvía del secundario, desde los 13 años. En esa época, tenía un taller que funcionaba como un negocio familiar. Ella la ayudaba a confeccionar los pedidos y su papá realizaba las entregas. Ya más afianzada en el oficio, su madre empezó a derivarle trabajos particulares y, años más tarde, finalmente heredó el taller. Sin embargo, ser tallerista y venderles ropa al por mayor a feriantes y fabricantes no la llenaba: quería algo más, algo que tuviera su impronta y donde pudiera desplegar su propia creatividad.

En 2011, Liliana recibió el empujón financiero y emocional que necesitaba para poner un emprendimiento de accesorios, una idea que hace tiempo venía dando vueltas en su cabeza. A través del programa “Emprende” de la ONG Mujeres 2000, accedió a un microcrédito a una tasa accesible que le permitió comprar los insumos necesarios para lanzar su negocio de fabricación y venta de accesorios.

“El crédito fue más que solo la plata. Significó que alguien confió en mí, y que iba a poder demostrar de lo que era capaz. Yo quería tener mi propia marca para que reconocieran mi trabajo y mi esfuerzo. Ahora soy mi propia jefa y puedo mantener mi casa”, cuenta emocionada.

Liliana ya emplea a otra mujer del barrio, se ilusiona con dar más oportunidades y además trabaja en conjunto con una exalumna que se dedica a la sublimación. Si bien arrancó fabricando accesorios, ahora hace ropa deportiva para colegios parroquiales, clubes y empresas, y confecciona vestidos de 15 a pedido.

Las mujeres, con menos acceso a créditos

Según datos del BID, las mujeres tienen menos acceso al financiamiento. Un informe de mayo de 2020 indica que en Argentina solo el 20,5% de las empresas lideradas por mujeres utiliza créditos bancarios para financiar su inversión, mientras que en las lideradas por hombres el número asciende a 42,9%. En el caso de Liliana, quien nunca tuvo un trabajo formal ni fue cliente de algún banco, acercarse a uno a pedir un crédito ni siquiera se le presentó como una opción. “Ni a mí ni a ninguna mujer del barrio”, aclara.

Como parte del programa, la costurera tuvo que realizar un curso sobre gestión de emprendimientos. “Qué importante era para nosotras (las alumnas del curso) el diploma de cuando terminábamos. Es hermoso tener un reconocimiento de que terminaste algo”, expresa orgullosa Liliana, que tiene su certificado exhibido en un mueble de su taller.

Y es que resalta un problema que tienen muchas mujeres: no poder comprometerse a largo plazo por tener que cuidar a sus hijos. Es por eso que en sus cursos, lo primero que les enseña a sus alumnas es a usar la máquina de coser: “En cualquier curso de modista las primeras clases las dedican a hacer moldes. Pero mi idea es que aprendan a usar la máquina. Así, en caso de no poder continuar el curso, tienen la posibilidad de entrar a trabajar a algún taller”.

“Las familias de los barrios populares, y particularmente las mujeres, no pueden acceder a créditos bancarios porque les piden un montón de requisitos, como un trabajo en blanco, con los que no pueden cumplir. Mediante los microcréditos, las emprendedoras pueden acceder a un crédito de un monto menor al que le ofrecerían en un banco, pero con una tasa de interés y requisitos accesibles”, explica Belén Burgstaller, directora ejecutiva de Mujeres 2000.

“Me gusta empoderar a las mujeres”

“Lo que más disfruto es dar clases. Me gusta enseñar lo que aprendí porque es algo que me nace. Es lindo ver que algunas alumnas crecen hasta más que yo”, revela Liliana. En 2017, fue beneficiaria de otro programa de la ONG, “Familias en obra”. Esa vez, accedió a un crédito que usó para remodelar la casa de su madre, que había muerto hace poco, para convertirla en un espacio en el que, junto con otras mujeres, daban cursos de costura, estética y hasta repostería.

“En realidad, lo que más me gusta es empoderar mujeres, animarlas a que emprendan. Tener un negocio propio te permite tener tu propia plata y también poder combinar mejor el trabajo con la crianza de tus hijos, para no tener que descuidar por completo ninguna”, explica la emprendedora. Si bien tuvo que cerrar su pequeño centro de formación por la pandemia, hoy sigue dando cursos de costura en su taller, coordinados y financiados (a través de una empresa) por la misma organización.

Para Liliana, el mayor desafío a la hora de emprender es el de ser capaz de ponerle valor al propio trabajo. Es por eso que destaca el potencial que tienen las comunidades de mujeres para apoyarse mutuamente: “A veces cuando una tiene la autoestima baja es difícil ponerle al producto un precio que refleje el esfuerzo realizado. Por eso, intento inculcarles a mis alumnas que se den valor a ellas mismas, convencerlas de que nosotras podemos progresar y de que no tenemos por qué depender de alguien”.

Más información

Mujeres 2000 es una ONG que trabaja en barrios vulnerables de la zona norte del Gran Buenos Aires, impulsando iniciativas propias de mujeres, jóvenes y familias que favorezcan el desarrollo de su potencial.

• Si sos emprendedora, podés contactarte con Mujeres 2000 a través de su página web o sus redes sociales para acceder a los programas de formación y microcréditos para emprendimientos; asesoramiento y microcréditos para la mejora de viviendas; y becas para educación superior e inserción laboral.

Si querés colaborar:

• Inscribite como voluntario/a completando este formulario.
• Doná a la organización a través de la página web.

Si tenés consultas, escribí a info@mujeres2000.org.ar.

Fuente: Perfil – Muchos oficios ancestrales se vieron obligados a industrializarse, otros ya no se transmiten de generación en generación. En esta situación crítica, entrevistamos a tres artesanos que enaltecen los haceres milenarios del diseño.

Pensemos por unos instantes todo lo que simbolizan los oficios para un país. El valor de esos conocimientos que se transmiten de generación en generación sin manuales ni procedimientos, sino a través de la palabra, la observación, la templanza y, lógicamente el hacer.

Lo que sucede mientras se desarrollan los oficios son diferentes escenas que van relatando la historia y la cultura de los pueblos. También se forjan fuentes de trabajo, algo que fue esencial para aquellos inmigrantes que bajaban de un barco hacia un destino lleno de incertidumbres, o para los pueblos originarios que lograron subsistir a lo largo de sus vidas.

Estas son algunas de las voces que enaltecen nuestros oficios milenarios. Una aguja, un dedal y encontrarle sentido al proceso Francisco Gómez, más conocido como Franciscano Sastre, nació en la provincia de Corrientes, y fue ahí donde a sus 15 años lleno de curiosidad comenzó desarmado prendas y aprendiendo el oficio de sastre. Después de estudiar desarrollo de moldería; entre viaje y viaje a Buenos Aires en busca de telas, decidió instalarse en la gran ciudad como él la llama, para abrirse paso y vivir de lo que siempre soñó.

“Este oficio requiere de mucha disciplina y paciencia, lo opuesto a la vorágine de la inmediatez. Y es en el proceso que la mano va tomando un sentido”. 

“Estoy cumpliendo 20 años trabajando en este oficio que me apasiona. Soy el sastre más joven del país. Cuando comencé, el mercado estaba escaso en el oficio y yo no tuve la fortuna de tener ese legado familiar. Esto comienza conmigo y eso me llena de orgullo y a la vez me genera mucha responsabilidad poder transmitir desde una buena base”, afirma Francisco.

Hoy es el presidente fundador de la Asociación de Sastrería Argentina que tiene como objetivos resguardar, promover y enaltecer este oficio regulando que sea un proceso 100% artesanal para poner en valor el trabajo realizado. Otro punto clave es visibilizar a todos los actores que conforman la sastrería, ya que antiguamente se creía que solamente el sastre era el protagonista. Actualmente, buscan seguir creciendo para fomentar una de las funciones más importantes que es el cooperativismo, donde la clave es compartir conocimientos y transmitir saberes.

“La sastrería artesanal es un oficio que se mantuvo firme a pesar de los años. Hoy resurge, e inclusive la generación Z busca este tipo de prendas por su carácter sustentable y único”, comenta.

“La sastrería fue creada de una manera pero los cambios de la moda aceleraron procesos, y los sastres empezaron a negociar con el sistema para sumar ventas con un producto más económico, que se adapta a las necesidades del momento. Hoy, ponés en un buscador ’sastrería artesanal’ y aparecen un montón de resultados por el uso de palabras estratégicas, pero en realidad son productos industriales o semi industriales. Un sastre trabaja con la persona, lee el cuerpo y elige el material, desarrolla la moldería y en base a eso comienza el proceso”, explica con claridad Francisco.

Él aprendió con un maestro italiano, y fue un lujo poder observarlo. “A quienes quieren dedicarse a la sastrería yo les sugiero que se compren un dedal, una aguja, hilo, que agarren una tela, y comiencen a coser y desatar durante horas. Si a las dos semanas eso te aburre, el oficio no es para vos. La sastrería requiere de mucha disciplina y paciencia, lo opuesto a la vorágine de la inmediatez. Y es en el proceso que la mano va tomando un sentido”.

Tejiendo los caminos ancestrales

Celeste Valero es tercera generación de tejedores andinos. Hija de Lucrecia Cruz y Martín Valero, maestros artesanos que de jóvenes se fueron a vivir a Casillas; una comunidad indígena en Jujuy. La decendencia quechua y la herencia de las técnicas textiles incaicas conformaron el entramado de la familia.

“Mis padres fueron y son mis grandes maestros en este camino, son la voz viva de los que estuvieron antes. Mi mamá es de pocas palabras, pero muestra con orgullo lo que hace. Antes no era así, y me tocó a mi abrir ese camino de reconocimiento para mis padres. Ella es una gran guía para todas nosotras que somos las tejedoras”, nos cuenta Celeste con su voz serena.

“Cuidar los oficios es de máxima Impotancia en este momento de la humanidad, es lo que mantiene el equilibrio entre los humanos y la naturaleza”.

En 2019 creó Tejedores Andinos que está conformada por 15 mujeres y 3 hombres. Por un lado como una forma de organizarse, resistir al olvido y a la marginación, y por el otro, para crear en comunión. “Cuando nosotras nos unimos logramos relatar el valor de lo que hacemos, y a la vez tejer sin lo colectivo carece de alma”.

“Yo observé que había muy poco reconocimiento para quienes le dábamos vida a ese objeto textil. Si hay mal pago, es porque no están sabiendo quiénes somos. Y si no quieren mostrarnos, es porque no saben valorar todo lo que hay detrás”, afirma Valero.

“Nuestra generación todavía está resistiendo en la lucha de quién pude y quién no, en esos lugares segmentados entre el arte, la artesanía y el diseño. El ser artesano era un oficio solo del hogar, y nosotros estamos en ese cambio. Yo veo una luz en la ancestralidad. Cuidar los oficios es de máxima importancia en este momento de la humanidad, es lo que mantiene el equilibrio con las personas la naturaleza, y los objetos. Un futuro más consciente que necesitamos desarrollar constantemente”.

El arte del sombrero

La casa Maidana surge en 1910 de la mano de Luis Maidana, quien junto a un socio comienzan a fabricar sombreros en pleno corazón de la Ciudad de Buenos Aires. En esa época todavía no estaban en auge, pero ya en la década del 20 con el surgimiento de la clase media argentina, el sombrero comienza a ser una forma de diferenciarse; especialmente para los hijos de inmigrantes que tenían la posibilidad de estudiar, usaban el modelo bombín como un elemento de distinción en el vestir.

Siguiendo con el recorrido histórico, entre los años 60 y los 70 fue el boom del diseño Carajito ala corta emulando el estilo de Nat King Cole y Frank Sinatra. Sin embargo, el sombrero no solo fue y sigue siendo sinónimo de elegancia y estilo, sino también una gran herramienta de protección para quienes realizan trabajos en el campo.

Conversamos con Adriana Maidana, cuarta generación de la familia, quien junto a su hermana Silvia y a su madre Manuela, continúan con este legado que aman, honran y al que consideran un arte. Escucharla es un placer, tanto por el conocimiento que tiene sobre el oficio, como por la emoción que le genera continuar con escribiendo la historia de esta familia de inmigrantes que gracias a este métier logró salir adelante, y como ella misma dice, le dio de comer a cuatro generaciones y les brindó la posibilidad de crecer y estudiar.

“En estos tiempos que transita argentina Sería clave Que abran las escuelas de oficios para generar distintas fuentes laborales”.

“Nosotros seguimos fabricando los sombreros con el sistema borsalino, que es todo a mano, es un arte. Hoy día, el sombrero se dejó de usar bastante, pero hubo un tiempo en el que tenía mucha preponderancia. Por ejemplo en la línea A de subtes había repisas donde la gente dejaba sus sombreros, o en cines como el Gaumont debajo de butacas había unos cestos donde se colocaba el abrigo, la cartera y el sombrero, pero eso fue desapareciendo”, nos cuenta Adriana.

Para Adriana el futuro de los oficios mermó muchísimo, de hecho existen muy pocas escuelas de oficio, y sin duda esto es una gran pérdida ya que siempre fueron una gran herramienta laboral. “En estos tiempos que transita la argentina sería clave que abran estas escuelas para generar fuentes de trabajo a personas que tal vez no tienen la posibilidad de acceder a ciertos niveles académicos. Y no solo lo digo en referencia a los sombreros, sería un camino revivir todos los oficios perdidos”.

Hoy día esta casa que fue declarada Sitio de Interés Cultural, por donde han pasado desde Arturo Illia hasta Antonio Tarragó Ros sigue siendo un orgullo para memoria de nuestro país.

Sin duda lo oficios en nuestro país están en una situación muy crítica. Si bien, muchas personas se inclinaron hacia un consumo más racional y ético, priorizando la calidad por sobre la cantidad, y el impacto sobre el medioambiente, la vorágine en tiempo de redes hace que siga creciendo una forma de compra compulsiva, muchas veces para silenciar la angustia del contexto en el que vivimos.

Los oficios mermaron, muchos se vieron obligados a industrializarse, pero hay algo muy poderoso que viene emergiendo entre las sombras, y es una forma colectiva de trabajo; donde las individualidades quedan de lado para abrirle paso a los sistemas cooperativista, donde lo colectivo está por sobre cualquier competencia que ya quedó obsoleta. Seguramente en ese camino se empiece a vislumbrar la luz, esa que va a seguir iluminando nuestra historia, y la de todos aquellos que enaltece los oficios de nuestro país. 

Fuente: TN – Se lució en la alfombra roja con un modelo blanco futurista del artista radicado en Berlín Cristian Huygens.

Reconocida mundialmente por sus excentricidades y sin miedo al qué dirán (el vestido hecho de carne cruda que usó en 2010 es una de las pruebas más contundentes) Lady Gaga no deja a nadie indiferente con sus looks. La artista se encuentra ahora promocionando la película de su concierto Chromatica Ball y para el estreno en Los Ángeles eligió un diseño argentino.

Excéntrica y revolucionaria, apareció en la alfombra roja con un modelo blanco de silueta dramática y exagerado con estética futurista. La prenda se conforma de un corset strapless, una falda amplia con arandelas y un aplique en el torso que la cantante comparó con la parte de un auto.

El diseño es de la firma Selva, creada por el artista interdisciplinario argentino Cristian Huygens, y pertenece a la serie “[BFAM] Movimiento de arte funcional brutalista” de la marca. Radicado en Berlín, el diseñador empezó a incursionar en la moda mediante la creación de vestuario para actuaciones y exposiciones en espacios públicos de la ciudad alemana.

Encantada con su look, la estrella del pop compartió varias imágenes en su perfil de Instagram y bromeó sobre el extravagante diseño: “En la alfombra roja dije que era una pieza de coche. Me preguntaron de qué tipo y yo dije no sé, no soy mecánica”, escribió.

Y aunque la particular pieza de moda fue sin dudas lo más extravagante del estilismo, los complementos y el beauty look no se quedaron atrás: sumó botas blancas con plataformas XXL y cordones, llevó la cara pintada de blanco y el pelo negro con flequillo muy corto y capas rebajadas. El make up está inspirado en el look beauty que la cantante usó durante su exitosa gira de 2022 que ahora se convirtió en película.