Abandonó una multinacional para emprender y ser pionera en un mercado clave

Fuente: iProfesional – Mujeres en la Industria combina ergonomía y estilo, con una mirada consciente y sostenible. «Es una herramienta de empoderamiento», asegura su fundadora

En la actualidad, según datos de la Red Mujeres de la Industria Argentina, la mujer representa el 33,5% de la fuerza laboral en el sector industrial. Atenta a ello, y basada en su propia experiencia y necesidad, Georgina Zárate decidió cambiar esa realidad: así nació Mujeres en Industria (MEI),enfocada en un nicho poco explotado y con el objetivo de ofrecer ropa laboral femenina que combina ergonomía, estilo y funcionalidad.

Durante los más de 15 años que trabajó en una multinacional del rubro industrial, se enfrentó al desafío de adquirir ropa de trabajo para las mujeres de su equipo. «Año tras año, la frustración era la misma: no existían prendas diseñadas específicamente para mujeres en la industria. Lo único que llegaba era ropa de hombre en un talle más pequeño», cuenta a iProfesional.

Según comparte, «nos enfocamos en tres problemas clave: la falta de indumentaria laboral adaptada a las necesidades de las mujeres en sectores industriales, la necesidad de incorporar prácticas sostenibles en la producción y la falta de oportunidades laborales para mujeres en situaciones de vulnerabilidad». En este sentido, destaca: «MEI no solo ofrece ropa, sino que es también una herramienta de empoderamiento y profesionalización y lo hace desde una mirada consciente y sostenible».

La propuesta de valor de MEI se enfoca en crear una marca que identifique y represente a las mujeres en el sector industrial, «ya que esto es lo que genera empoderamiento», asegura. «Buscamos que nuestras clientas no solo realicen una compra, sino que vivan una experiencia enriquecedora al adquirir nuestros productos, sintiéndose valoradas y parte de una comunidad».

En el ámbito de ventas a empresas, la marca propone la co-creación de la ropa de trabajo, trabajando de la mano con sus clientes para fomentar un sentido de pertenencia. «Nos posicionamos como aliados estratégicos para aquellas empresas que desean transformar la entrega de la ropa laboral en un acto de fidelización y compromiso, alejándose de la percepción de una simple obligación», dice Zárate. «Este enfoque no solo promueve una cultura empresarial positiva, sino que también fortalece la identidad de marca».

Además, continúa, «nuestro compromiso con la responsabilidad social es fundamental.A través de nuestras acciones y productos, aspiramos a ser un catalizador para la igualdad de género y la inclusión en un sector que ha estado históricamente dominado por hombres».

Los números del negocio

Originalmente, Georgina había planeado armar una consultora para Pymes donde se incluyan a mujeres en mesas de negociación. Sin embargo, la participación en el programa gratuito de capacitación paraemprendedoras de Disco en 2023 la hizo cambiar de idea. «Esta iniciativa convoca a mujeres a concursar con sus ideas de negocio y nos otorga las herramientas necesarias para fortalecer nuestras capacidades y las de nuestro emprendimiento», describe.

MEI fue seleccionada y recibió $1.000.000, que la fundadora destinó a desarrollar su MVP en cual permitió financiar su primera producción de prendas, remeras de trabajo con reflectivos en colores femeninos; la realización campañas de publicidad y marketing; y la creación de la tienda on-line.

En la actualidad, cuenta la emprendedora, «estamos produciendo chalecos, remeras de manga larga y corta, y buzos, todos diseñados especialmente para mujeres, con un toque femenino y moderno». Se producen localmente en Buenos Aires, «trabajando con partners que comparten nuestros valores de calidad y sostenibilidad», destaca.

Las primeras remeras ya han encontrado su camino hacia varias provincias y ciudades, como Neuquén y Rosario, y han recibido consultas de otros países, como Ecuador, El Salvador y Uruguay, interesados en adquirir los productos.

«A medida que nos adentramos en el rubro textil, hemos aprendido que lograr la calidad y el diseño que buscamos requiere tiempo y dedicación», alerta. «Aceptamos las demoras como parte de nuestro proceso de aprendizaje, siempre comprometidos a ofrecer un producto final que cumpla con nuestros estándares de calidad».

A futuro, la empresa busca fortalecer la presencia de MEI en cada rincón de Argentina. Más que enfocarse en las ventas, el objetivo es fidelizar la marca y obtener un feedback constante de sus consumidoras. Para ello, planean ampliar su comunidad a través de embajadores en cada provincia, que muestren y promuevan sus productos. Una vez consolidada la marca en el país, el siguiente objetivo será expandirse por toda América Latina.

Emprender siendo mujer para mujeres: desafíos y oportunidades

Para Gabriela, uno de los principales desafíos ha sido lograr posicionarse en un mercado tradicionalmente dominado por empresas con prácticas más convencionales. «Esto requirió un esfuerzo considerable para salir a vender a empresas cambiando el mindset sobre el valor de invertir en indumentaria de calidad, inclusiva y sostenible», sostiene.

Además, desarrollar productos que cumplan con los estándares de calidad y diseño ha sido otro desafío importante. «Pasamos por varios prototipos antes de encontrar la prenda adecuada, lo que implicó un proceso de prueba y error que demandó tiempo y recursos».

Sumado a ello, «mantener nuestros estándares de sostenibilidad mientras nos aseguramos de ser competitivos en costos también ha presentado retos constantes. Encontrar el equilibrio entre responsabilidad social yviabilidad económica es fundamental para nuestro modelo de negocio», enfatiza Zárate. Y sigue: «Finalmente, la visibilidad y el reconocimiento en un sector donde las mujeres representan solo el 33,5% de la fuerza laboral ha sido un desafío adicional».

Para ella, «lo más hermoso de emprender es la oportunidad de soñar y encontrar mi propósito en la vida. Es un viaje que transforma realidades a partir de necesidades genuinas». Gabriela creó una comunidad de mujeres que finalmente se sienten escuchadas, que ahora hablan de «outfits» en lugar de simplemente «ropa de trabajo».

«Emprender no se limita a crear; implica un profundo compromiso con nuestras palabras y acciones. Para mí, lo más atractivo de este camino es la posibilidad de dejar una huella significativa en todo lo que hacemos», expresa al tiempo que aclara: «Lo más desafiante es el camino que recorremos. Todos ven el resultado final: una imagen hermosa en Instagram o un producto terminado, pero eso es solo la punta del iceberg. Nadie te cuenta y generalmente se oculta el proceso, que puede ser solitario e ingrato. Por eso es son tan valiosos los programas como el de Disco, dejamos de ser invisibles ya que nos acercan a un mundo de posibilidades».

Por otro lado, emprender como mujer en Argentina representa un desafío adicional. «Aún enfrentamos muchos estereotipos y barreras que debemos superar», dice. Pero hay un aspecto positivo: el tema está en la agenda, y cada vez más mujeres están liderando negocios y emprendimientos. Personalmente, aunque aún existen sesgos, estoy convencida de que la firmeza en nuestra visión y la convicción en nuestras ideas pueden cambiar la percepción de quienes escuchan nuestras propuestas sin importar nuestro género».

¿Es posible ser rentable y a la vez generar impacto?

Antes de fundar MEI, Georgina tenía claro que, teniendo una empresa, no negociaría sus valores: su objetivo era cambiar el mundo a través del emprendimiento. «En MEI, rentabilidad e impacto positivo son inseparables. Nuestro modelo de negocio integra la sostenibilidad y el empoderamiento femenino como parte fundamental de nuestra identidad», sostiene.

Colaborar con espacios que apoyan a mujeres en situación de vulnerabilidad, diseñar productos con un menor impacto ambiental y ofrecer prendas de alta calidad a sus clientes son ejemplos concretos de cómo puede una marca crear valor económico y social simultáneamente. «Estoy convencida de que las empresas del futuro no pueden ignorar el impacto que generan en sus consumidores. Ahora, mi principal preocupación es cómo seguir impactando positivamente en la vida de nuestros clientes, la comunidad y el medio ambiente», concluye.

Una diseñadora rosarina revoluciona la imagen en la gastronomía: “Los chefs necesitan transmitir estilo“

Fuente: TN – María Eugenia Jobell transformó el delantal en una herramienta de diseño combinando funcionalidad y profesionalismo.

María Eugenia Jobell nunca imaginó que su pasión por el diseño, alimentada desde la infancia, la llevaría a revolucionar la indumentaria en el mundo gastronómico. Nacida en Rosario, encontró en su nona Elvira la inspiración inicial para su carrera. “Desde chica confeccionaba ropa para mis muñecas junto a ella. Me decía: Mariu, ¿No te cansás de cambiarles la ropa a las Barbies?, pero siempre me alentaba al ver mi habilidad”, recuerda.

Esa pasión temprana por las prendas evolucionó hacia el diseño de interiores y mobiliario, carrera que eligió para dar rienda suelta a su creatividad. “El diseño de espacios me permitió trabajar con texturas, géneros y materiales, y poco a poco eso me orientó hacia la indumentaria. Sentí que podía combinar estas dos disciplinas de manera única”, explica. Fue así como descubrió una oportunidad de oro: la moda en la gastronomía.

María Eugenia Jobell, la mujer detrás de DON. (Foto: Chapiday / Gentileza DON)
María Eugenia Jobell, la mujer detrás de DON. (Foto: Chapiday / Gentileza DON)

María Eugenia identificó que los uniformes eran mucho más que prendas funcionales; eran un reflejo de la identidad de una marca. “Los chefs necesitan transmitir profesionalismo, pero también estilo. La vestimenta del equipo impacta en la experiencia del cliente, y eso es algo que entendí desde el principio”, comenta. Su gran oportunidad llegó cuando una de las empresas líderes en equipos gastronómicos de origen alemán la eligió para vestir a sus chefs en todo el país, un desafío que marcó un antes y un después en su trayectoria.

DON, una marca referente en el rubro diseñada y producida en Rosario. (Foto: Chapiday / Gentileza DON)
DON, una marca referente en el rubro diseñada y producida en Rosario. (Foto: Chapiday / Gentileza DON)

Casa Don: una marca con identidad propia

En 2004, María Eugenia consolidó su emprendimiento abriendo Casa Don, un espacio dedicado al diseño de delantales y uniformes en Rosario. Así nació una marca que combina calidad, exclusividad y diseño, posicionándose como referente en el rubro de indumentaria gastronómica. Desde entonces, sus prendas han vestido a chefs y equipos de marcas de renombre como City Center, Sushi Club, y hasta establecimientos internacionales como Ossobuco Miami.

La rosarina María Eugenia Jobell creó DON, una marca referente en el rubro de indumentaria gastronómica. (Foto: Chapiday / Gentileza DON)
La rosarina María Eugenia Jobell creó DON, una marca referente en el rubro de indumentaria gastronómica. (Foto: Chapiday / Gentileza DON)

“El camino no fue fácil. Nos enfrentamos a desafíos como la pandemia y el robo de diseños, pero nunca dejamos de innovar. Buscamos los mejores materiales para crear prendas que sean cómodas y funcionales, sin perder el toque de diseño exclusivo que caracteriza a DON”, asegura.

Una propuesta que trasciende el uniforme

Para María Eugenia, los delantales no son solo prendas, son piezas que transmiten identidad y profesionalismo. “Nuestro valor agregado está en crear diseños exclusivos que reflejen el espíritu de cada cliente. Cada proyecto es un desafío creativo que encaramos con compromiso y dedicación”, afirma.

Los delantales de DON combinan diseño, comodidad y calidad. (Foto: Chapiday / Gentileza DON)
Los delantales de DON combinan diseño, comodidad y calidad. (Foto: Chapiday / Gentileza DON)

Hoy, María Eugenia sigue liderando su emprendimiento con el mismo entusiasmo que tuvo al confeccionar ropa para sus muñecas. “Para mí, tener un DON significa crear algo único, pensado para complementar la imagen de una organización. Queremos que nuestros clientes se sientan representados en cada prenda que diseñamos”, concluye.

Los delantales de DON buscan plasmar el espíritu de las marcas en prendas de diseño exclusivo. (Foto: Chapiday / Gentileza DON)
Los delantales de DON buscan plasmar el espíritu de las marcas en prendas de diseño exclusivo. (Foto: Chapiday / Gentileza DON)

Desde Casa Don, la idea es clara: invitar a descubrir cómo la comodidad y el diseño pueden transformar algo tan simple como un delantal en una pieza esencial para el éxito de un equipo.

Nueva alianza de moda y arte

Fuente: Clarín – La diseñadora Ivana Picallo estrenó local y un espacio donde se unen la moda con el arte, la fotografía y la escultura de la mano de artistas consagrados y nuevos talentos.

Arte y moda es una tendencia que no para. Museos y galerías de arte se han convertido en el último tiempo en un espacio donde la moda gana protagonismo.

Basta mencionar cómo se viralizan cada año las muestras que se realizan tanto en el Metropolitan de Nueva York o el Museo de la moda en París para comprobalo. Todo esto sin dejar de contar la cantidad de desfiles que se realizan en espacios culturales.

En Buenos Aires, Ivanna Picallo hizo su aporte a este fenómeno. No solo abrió su tienda en el sector de marcas de lujo de Patio Bullrich, sino que, además, en simultáneo, inauguró una muestra que une moda con arte, fotografías y esculturas, donde sobresalen nombres destacados y nuevos talentos.

Proyecto inclusivo

Presentación de Ivana Picallo en Patio Bullrich
Foto: Gentileza Due Agency.Presentación de Ivana Picallo en Patio Bullrich Foto: Gentileza Due Agency.

La diseñadora, emprendedora y empresaria, inauguró una galería-laboratorio de arte que, según sus propias palabras, fusionan “sus pasiones de la vida“.

Este nuevo emprendimiento forma parte de PATIOarts, un nuevo espacio de arte que ofrece propuestas innovadoras y que cuenta con una ventaja extra: puede visitarse de manera gratuita todos los días de la semana.La nueva colección Picallo en Patio Arts. Instalación con sus diseños y el aporte de Biótico Sustentable.
Foto: Gentileza Due Agency.La nueva colección Picallo en Patio Arts. Instalación con sus diseños y el aporte de Biótico Sustentable. Foto: Gentileza Due Agency.

Y como uno de los dogmas que guían a Ivana Picallo es la inclusión, tanto social como entre las nuevas generaciones de diseñadores, durante la apertura afirmó que su idea es “hacer un proyecto inclusivo en un lugar de lujo” y aprovechó la oportunidad para presentar a Celeste Vucinovich, una joven diseñadora con gran potencial que la va a acompañar en su atelier.

Luego de agradecer el apoyo incondicional de su familia, Picallo enfatizó su deseo de dejar un legado en el mundo de la moda y junto a María Belén Ludueña, a quien Ivana conoce desde que la periodista llegó a Buenos Aires desde su Mar del Plata natal, fue la encargada de cortar las cintas de la galería-laboratorio de arte que indaga otra faceta de la vida de la empresaria.

“Este espacio es una invitación al goce, una apelación al disfrute. Con una vista privilegiada sobre la avenida Libertador, esta galería-laboratorio ofrece obras de artistas consagrados como Luis Felipe Noé, pero también da lugar a artistas emergentes. Se pueden ver muestras fotográficas, pinturas, grandes esculturas con mixturas de técnicas y materiales que fusionan la moda con el arte, incluso hay sectores con cómodos sillones para poder contemplar una exposición de vanguardia”, agregó Picallo.

Con compromiso social

Participan en la muestra figuras consagradas y nuevos talentos.
Foto: Gentileza Due Agency.Participan en la muestra figuras consagradas y nuevos talentos. Foto: Gentileza Due Agency.

La muestra se renovará cada tres meses y algunas de las piezas se subastarán, parte de los fondos recaudados serán donados a entidades benéficas. El compromiso social es otro de los principios del trabajo de la diseñadora. Con casi 30 años en el mundo de la moda, Ivana comenzó a diseñar y coser de muy chica junto a su abuela y hoy la acompaña su mamá que está atenta a cada detalle y es la que, ella misma admite, pone orden y marca el ritmo de trabajo. Sus tres hijas, además, son su sostén y su fuente de inspiración, una de ellas incluso dio un pequeño recital el día de la apertura oficial del local y la muestra, el jueves pasado.

“La trilogía que direcciona mi carrera es mi esencia, lo que quiero transmitir y a dónde voy. Soy una diseñadora de mi vida”, concluye.

Laurencio Adot: «Hace rato guardé mi ego en la heladera»

Fuente: Para Tí – Laurencio Adot es un diseñador argentino que nació dentro de una familia de textiles, arquitectos y artistas. Hoy es uno de los nombres más destacados en el mundo de la moda y sus creaciones son piezas de lujo que destacan la belleza de cada mujer.

Los finales de los 80 y de los 90 para la moda fueron años intensos, florecientes y con muchos destaques. En aquella época nacieron importantes marcas de ropa y nombres de diseñadores que hicieron de su DNI una marca registrada. Laurencio Adot es uno de ellos y trabaja en y para la moda argentina desde 1988. Una carrera que hoy continúa de manera ininterrumpida sin huecos ni pausas. Ni siquiera el ACV que tuvo en 2018 logró detenerlo. Al contrario, renació tan fuerte como el Ave Fénix.

Con ustedes, Laurencio Adot

-¿Quién es hoy Laurencio Adot, la persona?

-En mi vuelta, después de haber estado en coma, me reconozco siendo Laurencio Adot, el diseñador de marcas de ropa aggiornado.

-¿Cuál sería ese cambio?

-Me conocés hace muchos años. Hoy hablo menos, me meto en menos situaciones, me meto en menos líos (risas). Me gustó porque me siento más tranquilo conmigo mismo. Hoy lo importante en mi vida es mi familia: mi pareja, mi perro y mi socio. Bajé mucho la ansiedad. En general el diseñador es muy ansioso y yo siempre tengo una película en la cabeza. Bajé mucho el miedo a nivel personal y también comercial.

-¿Y cómo es hoy Laurencio Adot, la empresa?

-Una marca empática con las mujeres. Diseñamos sueños, estamos detrás de lo que cada mujer quiere. Al atelier vienen con fotos buscando nuestra visión, la de Thiago (Pinheiro) y la mía, y diseñamos juntos. Como no puedo usar la mano, Thiago dibuja. Encontré en Thiago el socio perfecto. Nos amalgamamos. La marca se aggiornó montones de veces. Somos número uno en Argentina. Y yo tengo el gusto de ser querido por el pueblo, la gente me reconoce.

-¿Cómo llegó Thiago a vos?

Brasil y Argentina

Laurencio Adot es una marca de 36 años que, a su manera, supo adaptarse a los tiempos que le tocaron y tocan vivir. Del nombre del diseñador se desprende otra etiqueta: a Laurencio Adot Couture la acompaña Adot de Azevedo, una línea paralela de prêt-à-porter. “Tenemos mucho trabajo y con Adot Azevedo hacemos muchos viajes a Brasil. La segunda etiqueta implica muchos viajes a San Pablo. Allá paso seis meses al año, Belo Horizonte es mi segunda casa y hoy, mi tienda en Buenos Aires volvió a ser el centro”, comentó Adot.

-¿Qué sentís trabajando en Brasil?

-Una tranquilidad enorme, es primer mundo, hoy también estoy aggiornado gracias a Brasil porque allá veo textiles, hago estampas, digitales exclusivas, algo que acá todavía es muy difícil. En Belo Horizonte se respira moda, es la Milán de ellos.

El diseñador en su maison en Recoleta.

-Pudiendo trabajar mejor en otro país, ¿porqué seguís apostando a Argentina?

-En marzo también tuvimos la posibilidad de abrir una tienda en Madrid y nos echamos atrás porque preferimos apostar el doble en Argentina. Le creo a Milei y acá vamos a hacer crecer a Laurencio Adot buscando una tienda nueva para Adot Azevedo. Tenemos el sí de la gente, viene muchísima gente. Hoy estoy orgulloso de esta que es mi casa porque tiene mi nombre verdadero sobre la calle Posadas.

-Por primera vez estás haciendo imágenes de campaña…

-Empecé trabajando con ateliers en departamentos, siempre creí en ese formato. Hoy me animé y estoy haciendo por primera vez mi gráfica. No creía en la imagen, creía en el boca en boca. Por las redes sociales creo en la imagen, es una evolución que llega desde allí. Hoy me tuve que aggiornar una vez más. Ya perdí la cuenta (risas)

-¿Cómo manejás que tu nombre está en la vidriera?

Soy una marca aspiracional, la gente de clase media sueña conmigo. No lo digo yo, me lo dicen todos los días en la calle. Mi nombre es la marca, duermo con la marca. A veces es agotador e injusto porque hay gente que viene a bajarte la luz porque no te quiere, o no le gusta tu ropa. Yo puse el cartel bien grande en un local de dos pisos a la calle. Fue una ida de Thiago. Todo lo que el mundo de la moda sueña, lo logré.

El niño mimado

Laurencio estudió en Columbia Nueva York, su abuelo fundó Alpargatas y su padre Casimires Wells. Siempre estuvo en el mundo de la moda textil y la industria. Su camino para convertirse en diseñador refiere a un drama familiar. «Mi familia sufrió un revés económico y nos fundimos. Mi papá tuvo que cerrar las empresas y despedir a todo el mundo. Y no se escapó, les pagó a todos con los fondos de la familia Adot. Fue dificilísimo, perdimos familia, perdimos todo. Empecé vendiendo en un departamento la ropa de mi mamá, la ropa de Elsita, la mujer del empresario fundido en Recoleta. A las boutiques les vendía los originales. Cuando a los meses se acabó la ropa importada me dijeron “¿porqué no viajás a Nueva York y traés ropa?.» Así es como Laurencio, el que perdió todo, con el tiempo ganó una marca de ropa con su nombre.

Laurencio estudió en Columbia Nueva York, su abuelo fundó Alpargatas y su padre Casimires Wells, siempre estuvo en el mundo de la moda textil y la industria.

-Fuiste el niño mimado de la moda nacional

Lo fui por mucho tiempo. Hoy creo que estoy entre los 5 mejores diseñadores de este país. Tampoco me interesa ser el número uno, detesto las personas que dicen ser el número uno. A lo mejor, en algún hashtag lo he puesto porque a la gente le encanta competir.

-Hoy, a tu manera, ¿te gusta ser parte de este juego actual que hay con la competencia?

-Después de haber estado en coma, me reconozco en mi vuelta al Laurencio Adot, diseñador de ropa.

-Con todos estos cambios, ¿cómo manejás la fama?

-Nunca le di bola, en mi interior no le di cabida. Creo que la fama es una bendición porque es buena fama. Yo no tengo mala fama. Yo hice de todo en su momento: las adicciones, las partes oscuras, las partes grises. Hoy a los 57 tengo buena fama, es mi tesoro. La gente en la calle me dice: «rezo por vos», y eso significa todo para mí.

-Y el ego, ¿qué lugar ocupa hoy?

A mi ego lo guardé en la heladera hace rato.

Laurencio cuenta que en la década del 90 el Boca- River de la moda eran Benito Fernández y él: «yo era River. Fuimos bendecidos por la gente, por el pueblo. El vestido lánguido de novia salió de uno de nosotros, y el mix de texturas y de colores del otro. Los dos somos grandes coloristas”.

-Hace unos años en una entrevista dijiste que la moda en Argentina se había vuelto muy tóxica, sin memoria. ¿seguís pensando igual?

-Si, y creo que la moda hoy está muy perdida. Por un lado casi no hay marcas internacionales, bancamos todo las marcas y los diseñadores argentinos. Y al mismo tiempo hay un snobismo que yo no lo entiendo, me cuesta entenderlo porque yo, que vengo del palo snob, eso no tiene nada que ver ser snob, es un snobismo de cabotaje. Suena fuerte decir eso pero yo lo siento así.

-¿Entonces?

-Me parece que tenemos que aprender a apoyarnos más, tenemos que aprender a decir quién es el que estafa a alguien para que no lo vuelva a hacer. Lo digo desde lo económico hasta lo anímico, me parece que nos tenemos que cuidar, yo te cuido a vos que me cuidaste a mí.

-¿Qué es la moda para vos?

Uy es mi pasión, es mi alma! Mis padres me educaron para ser empresario de moda. Me educaron para que cada sábado fuera a las pruebas de ropa de mi madre y de mi abuela quienes se hacían ropa en las mejores boutiques de Buenos Aires. Mamé la empresa de mi papá que fue Casimires Wells, que estaba en la bolsa y fabricaba telas de pura lana, que se dedicó al lujo de aquella Argentina. Mi papá siempre fue muy abierto de cabeza.

-Es la primera vez que te escucho hablar de tu papá

-A través de los textiles que creaba en su empresa, mi papá me empujó y enseñó a pensar diferente. También a pensar como empresario. Aprendí que ser empresario no es mala palabra. Yo no soy progre, no tengo que inventar nada. Yo siempre fui el mismo, nací en Recoleta, soy concheto y no tengo ningún tipo de vergüenza en decirlo. Siempre fui igual con mi vida, incluso con mi sexualidad. Y con todo, hoy que tengo un replanteo de vida y de trabajo desde hace seis años, aunque cambié muchas cosas, siento que sigo siendo igual.

-¿Creés que existe la moda en Argentina? ¿Hay una industria nacional de moda?

Existe, por supuesto. Además existe porque quienes vienen de otros países nos lo dicen. Por la tienda pasan turistas todos los días y nos dicen ¡wow, no existe esta tienda, no existen estos vestidos!

-¿Cómo ves la moda argentina?

Antes de la pandemia, la moda argentina ya venía en bajada y luego se perdió totalmente. Después de dos años terribles la gente dejó la moda porque nos quisieron contar que para ellos era una frivolidad (se refiere al gobierno anterior). Siento que la gente aprendió a vivir con lo que tiene. Para mí es muy importante sostener a mi empresa con jerarquía. Una palabra fundamental, como lo es el mérito que también existe y que nos quisieron hacer creer que es mala palabra.

-Ganaste 11 premios Tijeras de Plata, una Tijera de Oro otorgados por la Cámara Argentina de la Moda, y en 2019 recibiste un Martín Fierro de la Moda como reconocimiento a tu carrera. Hoy, ¿creés en el poder de los premios?

-No, son mimos. No creo en los premios pero ayudan a creer a la gente. Son parte de un proceso donde vos todo el tiempo estás exigido a ser el mejor. Yo elegí la excelencia en la costura de mis colecciones.

-¿Qué recordás de tus primeros diseños?

Mi primer diseño lo tiene una jueza. Mi primer pantalón lo tiene María Clara Bullrich, una socialité porteña, son unos fuseaux azules que desfiló Inés Rivero en el Hotel Alvear. Después hay un vestido de lycra con perlitas crudas también de los 90, que fue el vestido del final de mi primer desfile que hice el Club Francés con Josefina Laurent (una de las estilistas más antiguas y reconocidas del medio). Ella junto a Matilde Quintana fueron las primeras en preguntarme si estaba preparado para hacer un desfile, fue hace 36 años.

-¿La moda te sigue sorprendiendo?

-¡Siempre! Es pasión, es sangre, son agallas, es lo de adentro. Lo llevo en la sangre.

-La pasión influyó y guió tu carrera

-Totalmente. Lloraba con los desfiles de Pierpaolo Piccioli en Valentino. ¡Imaginate! Sé que voy a llorar cuando se muera Carolina Herrera. La muerte de Carlos di Doménico y la muerte de Jorge Ibáñez me afectaron mucho. También la muerte horrible de Elsa Serrano. Yo empecé con Elsa.

-¿Tuviste amistad con esos diseñadores argentinos?

-Con Jorge no éramos amigos porque competíamos, siempre me decía que le encantaría ser mi amigo pero había todo un alrededor que no lo permitía.

-¿Ni siquiera escondidos o puertas adentro?

-Hablábamos mucho en los aviones, ¡la gente no podía creer lo que nos reíamos! Era muy lindo cuando nos encontrábamos. Él siempre me decía: no puedo ser tu amigo, compito con vos.

-¿Todavía hay competencia entre los diseñadores nacionales?

Hay competencia y hay amor. Y también hay odio.

-¿Cómo es eso?

-Una vez un colega me dijo te odio. El mundo de la moda no va muy de frente con lo que dice, todavía es como un circo romano y soy parte de eso. Existen la envidia y los celos. Hoy a los 57 no puedo estar compitiendo como un nene de 12, trato de alejarme de todo eso, hoy no me sirve. No me sirve para crecer y yo quiero seguir creciendo como persona y como empresario.

-¿Hoy las balas te rebotan?

-No sé si me rebotan, todavía me pegan y a veces me duelen. Las siento, es como tener un chaleco antibalas. Y la verdad me da lástima.

-¿Sos ambicioso?

No puedo serlo porque tuve mucho y porque no tuve nada, conozco los dos lados, el tener de más y el fundirte. Eso me enseñó a volar bajo, por eso yo no triunfé en el mundo y decidí quedarme en Argentina.

-¿Tuviste la oportunidad de ir a trabajar afuera?

-¡Miles! Sin dar nombres, en los 90 todos los diseñadores latinos internacionales me quisieron. Trabajé en París y trabajé en Madrid con los mejores y con marcas muy top. Tengo un currículum que es impresionante.

Laurencio Adot en su atelier junto a su socio Thiago Pinheiro.

-¿Te arrepentís de haberte quedado?

No me arrepiento de nada de nada, de hecho volvería a ser el mismo con la misma cabeza, con los mismos errores. Tengo la suerte de haber tenido una vida fabulosa, no tengo nada que reprocharle a mis padres, me dieron todo y yo creo haberles dado el honor de que mi apellido hoy todavía esté en la calle y sea sinónimo de calidad, de jerarquía y de mérito.

-¿Cómo te manejás con el mundo influencer? ¿Les creés?

Creo en ellos porque son una realidad. Pero también creo que tienen un tiempo corto, creo que son una gran mentira y como tal, a la larga, no se podrán sostener.

-¿Cómo ves la ostentación que existe hoy gracias a las redes sociales?

-Nadie tiene que andar mostrando lo que tiene, por más que tenga dinero: no es fino. Kim Kardashian con los 400 zapatos y las 300 carteras Birkin no me interesa. Al principio me llamó la atención, hoy ya no. Hoy me parece más interesante alguien que trabaja en una fundación o con el arte en Buenos Aires, Venecia, Nueva York, Art Basel, etc. El influencer per se que solamente muestra lo que tiene puesto, me parece un poco frívolo. Yo quiero saber lo que piensa. Lo mismo me pasa con otros diseñadores, busco que además sea buena persona.

-Vestís a actrices y celebridades. ¿Considerás que hoy importa más la primera fila que la ropa?

-Se mira más a la mujer real que a la celebridad. Poner mujeres reales me ubicó en un escalón que es empático con la mujer moderna de hoy. Creo que las celebridades hoy no venden y eso me costó que muchas no quieran vestirse conmigo y vayan a «marquitas». Pero sí creo que la única celebrity Argentina es Pampita.

-Si ellas no venden, ¿porqué están siempre sentadas en la primera fila?

Por nuestros egos del medio. En primera fila algunas se sienten Anna Wintour. Cada uno ve lo que quiere ver.

-¿Te considerás un diseñador estrella?

No, aunque reconozco que me consideran como tal.

Un sueño hecho realidad

-Hablemos de tu rol en la Fundación Paolini, ¿cómo comenzó?

-Comenzó con una clienta llamada Sol Paolini con quien además comenzamos construyendo una amistad. Entre charlas acá y en Miami, un día me preguntó «¿cuál es tu sueño?». Le respondí: «Lograr una fundación con el nombre de mi abuelo y mi mamá Elsa San Martín«. Entonces, me ofreció su fundación. Soy el embajador y Rosella della Giovampaola, la madrina. Siempre trabajamos con solidaridad, ayudando a los otros. Cuando hacemos desfiles en el interior, el 60% de lo que ganamos es para una obra benéfica. Eso nadie lo sabe. Y este no fue un momento más. N de la R: la Fundación Paolini tiene 4 centros que ayudan a 500 niños que padecieron maltrato, abuso y violencia.

-¿En qué andas hoy?

-Tengo ganas de hacer una película y un libro para contar como fueron los 90. En ese libro no quisiera contar solamente mi biografía, sí hacer un libro sobre lo que veo de la moda argentina. Me encantaría que los jóvenes tengan un libro que muestre y cuente la moda que viví.

-¿Pesa la trayectoria?

-A mí me importa mucho. Quiero dejar algo diferente en la moda y creo que lo logré porque tengo un lenguaje diferente, eso me importa en un diseñador: lo que tiene para contar.

MODELO @julinoseda para@lomanagement

FOTOS @chrisbeliera

VÍDEO @ph.candela

ESTILISMO @alegarcia360

MAQUILLAJE Y PEINADOS @nataliponasoncco para @sebastiancorreeaestudio.

Tramando cierra sus puertas tras 21 años de creatividad, moda y compromiso social

Fuente: Perfil Reconocida por su creatividad y su colaboración con cooperativas locales y artesanos de la Puna, Tramando deja una huella imborrable en la moda nacional. Con un mensaje emotivo, Churba agradeció el apoyo recibido y aseguró: “Yo seguiré tramando”.

La marca argentina de moda Tramando, fundada por el diseñador Martín Churba, anuncia su cierre definitivo tras más de dos décadas de innovación en el mundo del diseño, la moda y el arte. Con un emotivo mensaje, Churba compartió su recorrido y el impacto de la marca: “21 años, Tramando, aquí y allá. Desde Argentina hasta Japón, pasando por el planeta entero. Tramando como un árbol que extendió sus ramas y creció”, expresó.

Churba, quien antes de fundar Tramando trabajó para prestigiosas firmas internacionales como Cavalli y Gucci, formó junto a Jessica Trosman uno de los dúos más creativos de Argentina en sus inicios. Este legado creativo se trasladó a Tramando, que se distinguió por su propuesta estética innovadora y por su conexión profunda con las raíces sociales del país.

Tramando

El poder de sumar colaboraciones de todo el país

La marca colaboró estrechamente con cooperativas del conurbano, recuperadores urbanos y artesanos de la Puna, fortaleciendo una red de trabajo que respetaba las tradiciones y promovía la inclusión social: “Con las raíces en la Argentina profunda: las cooperativas del conurbano, los recuperadores urbanos, las tejedoras y tejedores de la Puna, alma originaria, con quien colaboramos por más de 20 años”, recordó.

La despedida de Tramando es un hito en la moda argentina, donde la marca ha dejado una huella significativa tanto en el ámbito local como en el internacional, con presencia en mercados tan diversos como Japón. En su mensaje de cierre, Churba agradeció a todos quienes formaron parte de esta trayectoria: “Se puede afirmar que la trama de manos que abrazan la causa es gigante. Esas manos, Tramando, bancando, vistiendo, diseñando… Gracias!”.

El fundador concluyó con una mirada hacia el futuro: “Hay cosas que terminan, y hay cosas que siguen… Yo seguiré tramando”. Así, aunque Tramando cierre sus puertas, el espíritu de colaboración y la creatividad de Churba continúan marcando el diseño argentino, dejando un legado inigualable en la moda y en el trabajo social.

Elina Costantini: “Me enorgullece que gracias a SAC se haya reactivado la alta costura»

Fuente: Perfil – Acaba de presentar la tercera edición de la Semana de la Alta Costura (SAC) en el Teatro Colón. Proyectos, embarazo y virtudes.

Elina atraviesa un momento inmejorable, acaba de terminar la tercera edición de la Semana de Alta Costura (SAC) con cuatro jornadas imponentes en el Teatro Colón mientras espera la llegada de su primera hija, Kahlo Milagro, junto a su marido, el empresario Eduardo Costantini

Antes de comenzar con los desfiles, la top model y empresaria habló con NOTICIAS sobre la importancia de SAC para la alta costura argentina. Más activa que nunca a pesar de los casi siete meses de embarazo, posa para la cámara con soltura y profesionalismo. En cada flash se reflejan más de 20 años de experiencia en la moda.

Esa confianza con la que se mueve y habla acerca de sus proyectos, es la que la llevó a alcanzar todo lo que soñaba y más. De esa nena de cuatro años de Las Catitas, Mendoza, que empezaba a imaginar entre juegos una carrera de diseños y pasarelas, hasta esta mujer que se emociona al poder devolver a la industria fashion un poco de lo que le dio, a través de este mecenazgo que significa SAC, que busca por un lado promover la alta costura nacional y también inspirar a nuevas generaciones de creadores a continuar este legado.

Noticias: En 2022 creó la Semana de la Alta Costura, para visibilizar el arte de los diseñadores y fortalecer la industria de la moda, ¿cómo nació esa idea?

Elina Costantini: ¡No puedo creer que ya pasaron tres ediciones! Este año cumplo 22 años en la moda, estuve en todas las semanas de la haute couture, empecé en París cuando tenía 14 años, estuve en Milán, Brasil, Chile, México, Tokio y siempre pensaba que Argentina no tenía una semana de la alta costura, y dije que el día que me retirase de la moda como modelo, la iba a crear. También es un mecenazgo para ayudar a una industria que, si bien se está recuperando, está muy golpeada. 

Noticias: ¿Por qué cree que es tan importante que exista ese espacio?

Costantini: Para promover la alta costura que estaba desapareciendo. Hay muchos diseñadores excelentes en el país, pero por un tema de ventas, se estaban volcando más al prêt-à-couture y el prêt-à-porter. Cuando creé SAC no pensé que iba a tener tanta repercusión. Ese espacio ayudó a que se reactivaran las ventas, casi todos los diseñadores que pasaron por SAC las duplicaron, también muchos de ellos pudieron mudar sus ateliers. Hay mucho talento y mucho para crecer.

Noticias: ¿Qué cambio notó en estos tres años?

Costantini: Siempre quise poner a la alta costura en su justo valor, reivindicar los años ‘20, ‘30, se generó un circuito con unos shows increíbles, acompañados con una visibilidad que les da a ellos mucha estabilidad. Me enorgullece que se haya reactivado la alta costura. Vamos por más. Quiero que SAC sea reconocido por la Cámara de la Haute Couture, sé que lo vamos a lograr.

Noticias: ¿Cómo ve a la alta costura argentina en comparación con el resto del mundo?

Costantini: Hay mucho talento. Siempre destaco que los diseñadores de aquí hacen todo mucho más a pulmón en comparación con los diseñadores de afuera, que tienen una estructura muy armada. Hay que valorar y reconocer el talento argentino. Muchos diseñadores locales son iguales o hasta mejores que los de afuera. Por la costura, el diseño, los cortes, solamente nos falta que tengan más apoyo. Todos los años vamos creciendo un poco más con SAC, hay más empresarios y personas que quieren ayudar que se suman. Eso es muy necesario, yo sola no puedo.

Noticias: ¿Por qué eligió el Teatro Colón para esta edición?

Costantini: El Colón estuvo presente cuando inauguré SAC. Es un teatro icónico, fue un sueño cumplido. Nunca antes hubo una semana entera de desfiles allí. El director y todo el equipo me acompañaron mucho. Es un teatro reconocido a nivel mundial. Es un lujo. Cada año apostamos a más. Ahora tenemos una edición anual de SAC, pero el día de mañana queremos tener dos. 

Noticias: ¿Cómo eligió a los diseñadores de este año? Javier Saiach, Sylvie Burstin, Fabián Zitta y Jorge Redondo.

Costantini: Mi equipo hace una medición de los diseñadores a nivel nacional, y se evalúa que cumplan con todos los requisitos. A ellos los conozco hace muchos años. He trabajado con ellos toda la vida. Este año trajimos a Jorge Redondo, una eminencia en España, la revolución de Madrid, es la primera vez que SAC cuenta con un diseñador internacional. Javier Saiach es un diseñador argentino, pero que tiene mucha influencia a nivel internacional. A las chicas que trabajan en Sylvie Burstin las conozco desde mis 15 años, son muy talentosas. Fabián Zitta es muy futurista, psicodélico.  

Noticias: Dijo que cumplió 22 años en la moda, ¿cuándo empezó a soñar con la posibilidad de vivir de esto?

Costantini: Es loco lo que digo, pero desde mis 4 años decía: “Quiero ser modelo de vestidos”, no sabía lo que era la alta costura, pero ya a los 5 años miraba todos los desfiles habidos y por haber, ya lo tenía muy claro, quería terminar los estudios, venir a Buenos Aires y de acá salir al mundo. Por mi tenacidad y mi perseverancia lo logré. También tuve un poco de suerte, hay una mezcla de todo. Empecé a los 12 años con moda más infantil, pero a los 13 ya empecé a recibir mis primeros sueldos en la alta costura.

Noticias: ¿Qué le diría a esa Elina chiquita que soñaba con trabajar en la alta costura?

Costantini: Me re emociona. Cuando empecé a decir que quería trabajar en la moda, en mi familia, como somos de un pueblo chico, nadie creía en mí. Estoy orgullosa de mi perseverancia, y de todos los sacrificios que tuve que pasar. Ahora hablamos de todo lo lindo, pero fue muy difícil. No todo se da de un momento a otro. Estoy orgullosa de nunca haber perdido esa confianza en mí misma.

Noticias: ¿Se podría decir que esas son sus virtudes? ¿La confianza y la perseverancia?

Costantini: Y la paciencia. Me dijeron muchas veces que no, pero yo sabía que lo iba a lograr. 

Noticias: ¿Y cuáles son sus proyectos de acá en adelante? 

Costantini: Ahora me frenó un poquito lo de la bebé, me quiero dedicar unos meses a mi maternidad, porque es algo que esperé y deseé mucho, pero la idea es salir al exterior, también lanzar mi propia línea de make up, perfume. Todo lleva tiempo. 

Noticias: ¿Con Eduardo se apoyan mucho en cada proyecto?

Costantini: Sí, los dos nos consultamos, yo le consulto mucho y él a mi también. 

Noticias: ¿Qué se admiran mutuamente?

Costantini: Muchas cosas. El hecho de haber empezado de abajo los dos y nunca haber desistido de lo que queríamos ser y lograrlo. Consideramos que el trabajo es el motor de la vida, la familia es muy importante también, pero el trabajo es todo. Queremos terminar nuestra vida trabajando, creando, ayudando. 

Noticias: Usted es muy creyente, ¿verdad?

Costantini: Sí. Siempre digo que tuve un Dios aparte. Uno lo puede llamar Dios, Universo, como quieran, pero siempre siento que hay una energía especial que si tenés fe todo llega.

Noticias: En el proceso de su maternidad también se apoyó mucho en la fe. Me imagino que habrá sido difícil que constantemente los periodistas le estuvieran preguntando…

Costantini: Igual no me molestaba que me preguntaran, pero fue un camino largo, lo deseamos mucho, por muchos años, hasta que finalmente se dio. Pero Dios elige siempre el mejor momento.

Noticias: Incluso la fe está presente en el nombre que eligieron, Kahlo Milagro. ¿Qué significa Frida Kahlo en su vida?

Costantini: A Frida la admiro hace muchos años, siempre fui fanática de ella, antes de conocer a Eduardo. Siempre me gustó mucho el arte. La admiro porque fue una mujer muy fuerte y, si bien la vida que tuvo fue difícil y sufrió mucho, ella siempre siguió. Es una mujer única, quiero que mi hija se llame Kahlo y Eduardo eligió Milagro.

Noticias: ¿Cómo está transitando el embarazo?

Costantini: Muy bien. Ahora estamos las dos trabajando mucho. Es normal estar cansada, pero estamos muy activas. 

Noticias: ¿Cómo se ve como madre?

Costantini: Quiero dedicarme un tiempo a ella, me lo merezco, trabajo desde hace mucho y es un momento muy especial. Voy a ser una madre dedicada

Noticias: ¿Y a Eduardo cómo lo ve?

Costantini: Él está feliz. Es una bebé muy deseada, muy esperada.

Noticias: ¿Le llegan las críticas?

Costantini: Me divierten. Primero que no me importa qué dice el otro, pero no me afecta, a veces dejo los comentarios para que se arme un debate. 

Noticias: En sus redes muestran un poco de su pareja, ¿cuando llegue la bebé la van a mostrar? 

Costantini: No sé, sé que la voy a proteger mucho y que ella el día de mañana decida si quiere estar, no le quiero imponer nada, respetaré su decisión más adelante.

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La odisea de ir a comprar ropa: más del 50% de las personas asegura que no encuentra su talle

Fuente: TN – El dato se desprende de la encuesta anual de la organización AnyBody Argentina. En ese contexto, Telenoche realizó una recorrida por diferentes locales para mostrar lo difícil que es conseguir prendas para todas las medidas.

A casi cinco años de la sanción de la Ley de Talles, más del 50% de las personas tienen problemas para encontrar ropa acorde a su cuerpo. La normativa se reglamentó en 2021, pero actualmente está pausada e ir de compras sin frustrarse se volvió un desafío.

Este dato se desprende de la encuesta anual hecha por AnyBody Argentina, una de las organizaciones que impulsó el proyecto y que trabaja con la problemática desde hace más de diez años.

El relevamiento, realizado en 2022 y que consultó a casi 7000 personas, arrojó que el 73% de las personas encuestadas suele encontrar siempre las prendas que desea en talle único. En tanto, el 82% afirmó que le resulta difícil hallar su talle en jeans y pantalones; mientras que el 42% reconoce no encontrar ropa interior en su talle.

Dentro del universo que respondió la encuesta, el 85% indicó usar ropa “de mujer” mientras que un 11% usa ropa sin género y el 4%, ropa “de hombre”. En ese contexto, el 52% de las personas del primer grupo y el 49% del segundo aseguró que los talles más difíciles de encontrar son entre el 46 y el 52; el tercer grupo, a su vez, señaló que lo más complejo es encontrar talles entre el 48 y 54.

Telenoche realizó una recorrida por diferentes locales con Cori, quien contó que suele tener problemas para conseguir prendas acordes a su cuerpo. “Me encantaría poder ponerme una musculosa de moda, pero parecen talles de niños. Me frustra un poco. Nos metieron en la cabeza que tenemos que tener un cuerpo perfecto para mostrar la panza”, expresó la joven.

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Telenoche realizó una recorrida por diferentes locales para mostrar lo difícil que es conseguir prendas para todas las medidas.

Tras la recorrida, Cori reflexionó: “Más de la mitad de la ropa no me quedó. No encajo en la ropa. Me genera frustración. Me miraba al espejo y pensé que debería haber empezado la dieta. Pero, ¿por qué tendría que hacer dieta para entrar en una prenda que no está hecha para mi cuerpo? No podemos estar sufriendo por ponernos ropa”.

Una de las cuestiones más preocupantes del informe marcó que el 36% de los encuestados respondió que no encontrar ropa de su talle lo lleva a realizar conductas de riesgo, como ponerse a dieta para bajar de peso, abstenerse de comer, tener atracones, vomitar o hacer ejercicio en exceso). De hecho, Argentina está segunda a nivel mundial en trastornos de la conducta alimentaria detrás de Japón, es decir, 70 millones de personas padecen algún tipo de trastorno.

“Estas cifras se mantienen constante a lo largo de los años”, advirtieron desde la organización y plantearon: “Como organización que lucha contra el odio corporal, reconocemos el ir a comprar ropa y no encontrar talle como uno de los grandes disparadores para que las personas comiencen a cuestionar y odiar su cuerpo. Vestirse es un derecho y muchas veces no se cumple. Tiene que haber diversidad de talles como diversidad de personas”.

San Pablo Fashion Week: por qué continúa siendo la semana líder de la moda de América Latina

Fuente: Perfil – Marcas y diseñadores presentaron sus colecciones en el Pabellón de Culturas Brasileñas del Parque Ibirapuera. San Pablo Fashion Week es considerada la mayor semana de moda de toda América Latina y te contamos el motivo.

¿Qué hace que una fashion week sea la más importante de todo el continente? Si lo juzgamos por los estándares internacionales (dónde cada semana de la moda es viral a su manera), la respuesta sería la inversión en desfiles exuberantes, la reproducción masiva de su contenido y en los asistentes que con sus looks, hacen que los eventos sean un show aparte.

Pero acá en América Latina, sabemos que el juego de la moda es diferente – y Brasil entendió bien la necesidad de levantar una semana de desfiles que compita con los estándares extranjeros.

Fue en 1995 que Paulo Borges empezó el proyecto nombrado Morumbi Fashion con 31 marcas participantes – no fue hasta el 2002 que el evento recibió el nombre de San Pablo Fashion Week (SPFW) y para ese entonces, ya se había consolidado como una plataforma de networking para diferentes profesionales: fotógrafos, estilistas, modelos, maquilladores, periodistas, agencias, marcas y diseñadores se juntaban para una semana intensa de trabajo, con el único objetivo de promover la moda brasileña.

San Pablo Fashion Week

Hoy, casi 30 años después, la SPFW se convirtió en referencia internacional. De las 41 firmas que se presentaron, te mostramos los 10 desfiles que muestran por qué esta la semana de moda más importante que tenemos en América Latina.

GUSTAVO SILVESTRE + PROYECTO PUNTO FIRME
Veterano de la semana de la moda, Gustavo Silvestre desfiló 40 looks con su proyecto Punto Firme – un hermoso ejemplo de diseño de autor sustentable. En los escalones del Museo del Ipiranga (antigua residencia de la familia real portuguesa), Silvestre llenó de colores y texturas el icónico escenario de la ciudad. Sus telas, que son tejidas a mano con lentejuelas, representan el trabajo de capacitación y terapia ocupacional para reclusos, egresados del sistema penitenciario y personas en situación de vulnerabilidad social. Cada look es único, mostrando que su ropa se adapta a diferentes estilos y figuras.

San Pablo Fashion Week

LILY SARTI
Otro nombre súper conocido es el de Lily Sarti: una marca moderna y chic, que representa a la mujer urbana mejor que nadie. En esta colección, el punto de partida fue la filosofía Wabi-sabi, que valora la belleza de la imperfección – figuras minimalistas y arquitectónicas tomaron forma de ropa, siluetas sin excesos y superposiciones inteligentes que agregan aire sofisticado a los looks.

NORMANDO
El estreno de Normando en el tercer día de desfiles marcó un antes y después en la historia de la marca: la dupla de diseñadores Marco Normando y Emídio Contente probaron que se puede hacer moda brasileña sin la necesidad de ser caricatos, o caer en clichés estereotipados. Nombrada “Vándalos del Apocalipsis”, la colección fue marcada por la sastrería como punto inicial, con hombreras exageradas y siluetas bien ochentosas – lo que empezó con looks en blanco y negro, a los pocos fue tomando forma de estampados coloridos, jugando con prints de peses del río (como el  tucunaré y el pirarucu), así como dibujos de madera que representan la flora del país tropical. 

San Pablo Fashion Week

BOLD STRAP
Desde su lanzamiento, Bold Strap ha hecho exactamente lo que se espera de una it-marca: vistió celebridades de todo el mundo (en Argentina, Emilia Mernes usó un corset rosa de efecto vinílico para el vídeo “no_se_ve.mp3”), se consolidó con un abanico de piezas deseo y se hizo querer a través de campañas provocativas y desfiles exclusivismos. Ni mismo las dos horas de retraso para arrancar el show bajó el entusiasmo de los más de 600 invitados. Fiel a su ADN fetichista, Bold Strap armó una alta pared formada por más de 4.000 lubricantes íntimos para crear la atmósfera. Camila Queiroz, musa de la marca, abrió el desfile que propuso siluetas ajustadisimas en diferentes figuras corporales, superposición de lencerías y accesorios del mundo BDSM, como guantes y máscaras de arnés, collares de plugs y muchas piezas de látex transparente. Vibrante y sexy, Bold Strap domina el escenario fashion con audacia. 

CATARINA MINA
Romántica, libre y despreocupada: Catarina Mina es una diseñadora que representa fielmente el estilo de la mujer brasileña. La marca que es del Ceará (Noreste del país, donde el verano dura el año entero) presentó la colección “Herederas del Futuro” con 35 looks en técnicas de macramé, tejidos y bordados, celebrando la artesanía local con una mirada sofisticada y moderna. Looks cargados en flecos y transparencias en siluetas cómodas y relajadas que parecen haber sido hechas para una eterna caminata en la playa. El trabajo de Catarina Mina es sustentable y responsable, garantizando condiciones justas de trabajo para artesanas de 31 comunidades de la región.

ARTEMISI
Definitivamente el punto alto de la semana, Artemisi – marca de diseño de autor creada por Mayari Jubini – desfiló su segunda colección en el cuarto día del evento. Una mezcla entre el futurismo y el trabajo manual, la colección que se llama “Into The High” desafió a la percepción de los espectadores con piezas tridimensionales que rompían el carácter estático de la pasarela, creando una estética sensorial casi inmersiva a cada pasada. Desde outfits con impresión 3D fundidos en resina hasta adornos de pedrería (casi 70 mil cristales fueron aplicados a mano) y pinturas híper realistas, el desfile fue una verdadera obra de arte. El momento más especial fue el cierre, en el que una modelo vistió un corset negro y “alas” motorizadas que crean un efecto de ilusión óptica en la foto. Hoy en día, es difícil ver una marca que tenga una propuesta conceptual tan fuerte que nos haga recordar por qué nos gusta la moda; y Artemisi volcó todo su talento en una colección high fashion que refuerza el talento latino en su primor. 

San Pablo Fashion Week

LED
En medio a cables enredados y pantallas torcidas, LED presentó GAMBIARRA (en traducción libre: Gran Artífice de la Mecánica Brasileña Inventada para Arreglar, Recuperar o Realizar Algo). Las referencias al estilo kitsch brasileño de “arreglarse como se puede” fueron volcadas en el styling que tenía alfileres, grapas, cordones, ganchos y demás artífices que unían a las piezas y tenían función de accesorizar a los looks. Tejidos y crochet coloridos llenaron la pasarela, flecos súper exagerados tomaban forma de carteras y vestidos;  LED lo hizo pensando en un estilo urbano y cosmopolita. 

LUCAS LEÃO
Simple y sofisticado: el diseñador Lucas Leão propone cuestionar los códigos de vestimenta entre el guardarropa masculino y femenino. La sastrería clásica fue el punto inicial de la colección, con trajes estructurados de hombros marcados y algunos con recortes en la espalda, agregando un elemento moderno a algo tradicional. Las camisas tenían moños que sustituyen a los botones, con una inclinación coquette pero sin ser demasiado romántico. Mini vestidos de colores con más de 3 mil flores bordadas hicieron una aparición casi al término del desfile – algo que agregó un elemento surrealista a la colección.

WALÉRIO ARAÚJO
Carnavalesco y lujoso como solo él puede ser: quizás no lo sepas, pero desde hace 30 años, el diseñador Walério Araújo domina la escena underground de la vida nocturna de São Paulo. Brillos, lentejuelas, plumas, estampados extravagantes y muchísimos accesorios de cabeza (por supuesto, la colección fue nombrada “Cabeza Hecha”) que hacen parte de su repertorio y también de su nueva colección. Exageradamente detallista, cada look contaba una historia alegre y divertida – fue la primera vez que vimos a un personaje de cartoon sentado en primera fila. Eso, porque parte de la colección era un homenaje a los 60 años de “Mónica y sus amigos”, creación de Mauricio de Souza que marcó la niñez de más de una generación. Así que Mónica y Cebollita estaban presentes, vibrando y celebrando cada pasada a lo mejor estilo ball room.

San Pablo Fashion Week

À LA GARÇONNE
Marcando su retorno a las pasarelas nacionales, el diseñador Fábio Souza celebra 15 años de marca con un desfile que define la estética de lujo silencioso brasileño. La firma que empezó como un proyecto de  upcycling, ahora toma forma de pret-à-porter con una paleta casi toda en blanco y negro – desde trajes sastreros de cuadros, hasta vestidos de princesa transparentes con lunares. Chic y urbano al mismo tiempo, À La Garçonne propone piezas atemporales para el estilo de vida urbano, con chaquetas y parkas militares adornadas con cadenas y metales en la espalda, moños tamaño XL y los dibujos de soga pintados a mano, que estuvieron presentes desde la primer colección de la marca.


Dejando de lado los estándares eurocentristas, la SPFW es prueba de que se puede hacer algo grandioso, celebrando las raíces del talento local y usando el patriotismo como plataforma que celebra la diversidad cultural. En ese caso, pudimos observar tres pilares que la diferencian de las demás semanas de moda latina:


    1) BELLEZA DIVERSA: Mismo que haya una intención en diversificar el casting de modelos, acá en Argentina estos espacios tienen un cupo muy limitado. Muchas veces en temporadas como BAFWEEK o Designers, se puede contar en los dedos el número de modelos de color y talles reales que caminan por la pasarela. En San Pablo, cada marca tiene la obligación contractual de que su casting sea mínimamente 50% étnico – lo que brinda destaque a la belleza indígena, negra y asiática; los cuerpos reales y curvilíneos también ganan protagonismo, apareciendo más de una vez por desfile, con diferentes modelos al largo de la semana. La belleza andrógina y los cuerpos trans también ocupan un espacio de destaque (y no solo en las marcas “alternativas”), ofreciendo un abanico de diferentes tipos de belleza que representa bien la diversidad estética del país.


    2) APOYO INSTITUCIONAL Y GUBERNAMENTAL: Además de las marcas que pueden llegar a patrocinar el evento (en esta edición contabilizamos más de 20), el apoyo institucional y gubernamental es muy importante. El mismo Gobierno de la Ciudad de San Pablo, junto a la Secretaria de la Cultura, Economía e Industria Creativas y el Ministerio de la Cultura del Gobierno Federal son responsables por la realización del evento. ¿Les parece poco? La SPFW también es auspiciada por la Lei Rouanet, de incentivo a la cultura. Para un evento de moda, es muy importante contar con el respaldo del gobierno, ya que esa es una industria frágil y oscilante; el soporte político ayuda a consolidar la industria nacional y le da una base para la exportación del producto.


    3) FOMENTO DE LA IDENTIDAD DE MODA NACIONAL: Cuando se piensa en la moda brasileña, es fácil de reconocer las imágenes que nos vienen a la cabeza – los colores, la sensualidad y la actitud son parte de su ADN. Sin embargo, la exportación de ese concepto no sería posible sin el apoyo a los talentos locales, emergentes y sobre todo el incentivo al consumo responsable. Para reafirmar la identidad de moda nacional, es necesario un arduo trabajo de conocer lo que fue e imaginar lo que será.

Cuáles son los requisitos para ser modelo de alta costura en Argentina

Fuente: Clarín – Modelos argentinas lograron posicionarse como referentes en el mundo de la moda.

En el mundo de la moda y la publicidad, ser modelo de alta costura es un objetivo al que muchas personas quieren llegar, aunque existen algunos requisitos para ser profesional en Argentina.

Según la revista estadounidense de moda, Vogue, hay varios factores a tener en cuenta: desde la apariencia física, hasta ese ‘algo’ especial con lo que algunas personas simplemente nacen, así como el temple necesario para navegar en un mundo que, aunque es fascinante, también tiene sus respectivas dificultades.Los requisitos para ser modelo porfesional en Argentina son varios. Foto iStock.Los requisitos para ser modelo porfesional en Argentina son varios. Foto iStock.

Los requisitos para ser modelo profesional en Argentina

La Asociación Modelos Argentinos enumera en su página web los requisitos necesarios para ser modelo profesional. Independientemente de la apariencia física de la persona, existen ciertos criterios mínimos que deben cumplirse.

  • En el modelaje de modas, las mujeres deben medir por lo menos 1.73 metros y tener medidas cercanas a 86cm-61cm-86cm.
  • Un modelo masculino debe tener al menos 1.83 metros, talle 40 (traje normal) y largo de pierna interior de 84 cm.
  • Debe tener la piel cuidada, buenas manos, uñas y dientes, cabello sano y rasgos regulares.

La Asociación afirma: «El modelaje es una carrera, no un trabajo a tiempo parcial. Requiere dedicación y paciencia porque, con raras excepciones, no sucede de la noche a la mañana. Igual de importante, los modelos deben tener la actitud correcta para este tipo de trabajo. Un modelo debe estar alerta, ser inteligente, ingenioso, confiable, paciente, de buen carácter y también debe tener mucho sentido común y buen sentido del humor».Valeria Mazza, un ícono de la moda internacional.Valeria Mazza, un ícono de la moda internacional.

Algunas modelos argentinas conocieron las pasarelas siendo muy jóvenes y actualmente son figuras reconocidas y respetadas internacionalmente en el mundo de la moda. Algunas de ellas son Carolina Pampita Ardohain, Nicole Neumann, Valeria Mazza, Rocío Guirao Díaz, Sofía Zámolo, Ingrid Grudke y Karina Jelinek.